SIN ESTRELLAS 2. 6 ESTRELLAS DEL ARTE POSMODERNO
Manuel
Bas.
Dr.
en Cultura y Arte para América Latina y el Caribe
Instituto
Pedagógico de Caracas
Prof.
Asociado: Universidad Simón Rodríguez
Caracas,
Pequeña Venecia, marzo de 2025
Preámbulo para Sin Estrellas 2 y 6 Estrellas
En la Sala Experimental,
Edificio Moderno, Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela, desde el domingo
27 de octubre del 2024 al 28 de febrero 2025 estuvo la exposición: Sin Estrellas 2, gracias al Proyecto Sin Estrellas representado por
Mario Pérez y Eduardo Azuaje
(organizadores-expositores), y el patrocinio de la Galería BLUM, (Los Ángeles, Tokio, Nueva York), y el Guggenheim Abu Dhabi (Museo de Arte Contemporáneo perteneciente a la
Fundación Solomon R. Guggenheim del Distrito de la isla de Saadiyat en Abu
Dabi, capital de los Emiratos Árabes Unidos) y la autorización de Suga, y el
mencionado museo, para recrear la obra: Law
of Multitude (La Ley de la Multitud).
Asimismo, gracias al consentimiento de los artistas, se exhibieron los trabajos
de: Annette Lemieux: No Words (Sin Palabras); de Gary Kuehn: Colchón y Acero, y Meyer Vaisman: Pirámide.
El texto de presentación (Luces de emergencia), estuvo a cargo de
Zacarías García, Director General del Museo de Bellas Artes; el trabajo curatorial
y museográfico bajo la responsabilidad de Mario Pérez; la edición de Rosana
Blanco; el montaje por Eduardo Azuaje, Francisco López y Yobel Parra; el
trabajo fotográfico por Renato Donzelli, Bárbara Rodríguez y Dayana Doria; la
electricidad Alexis Gómez y Oscar Jiménez; el diseño gráfico Geysa Santos; la
albañilería José Merchán y Alexei Merchán; además de una larga lista de
colaboradores. Este equipo inter y multidisciplinario se explica por la
naturaleza de la exposición debido a que son instalaciones efímeras en espacio
parcialmente cerrado, que requiere además luz permanente para alejar los
animales nocturnos; cuatro de ellas, ready-made (arte encontrado), una
fotografía de gran formato de impresión digital sobre PVC (policloruro de
vinilo/termoplástico) resistente al impacto y a la abrasión y de larga vida
útil y una pirámide elaborado con materiales de construcción de obras civiles.
La muestra además requirió el empleo de
materiales potencialmente riesgosos a la integridad física de los visitantes
por lo cual se recomendó transitar con precaución los espacios, principalmente
los niños. Por estas características señaladas, para llevar al público esta
muestra, se requirió un equipo de alto nivel en variadas disciplinas, muy
característico del arte posmoderno: variedad estilística y conceptual, temática
amplia y diversa, donde el artista tiene la libertad recorrer cualquier tiempo,
estilo del pasado y tomar cualquier referencia, de otros autores: obras
figurativas sin rechazar lo abstracto, de modo fragmentario. El arte que se
hace hoy, se caracteriza por su constante búsqueda emocional y nuevos
estímulos, se sirve de todo tipo de materiales, de imágenes, técnicas y
herramientas diversas, la hibridación de estilos, preceptos y reglas con el fin
de crear nuevos itinerarios artísticos (hiperevolución).
Arte en la Posmodernidad un arte Multidimensional
En 1979 Jean-Francois Lyotard escribió La Condición Postmoderna, en que entre otras
cosas, señala la muerte de las grandes narrativas o metarrelatos que
cohesionaron a la humanidad: el mito en la Edad Antigua, la religión en la Edad
Media, la razón y las idea de progreso en la Edad Moderna, sin embargo, lo
único que triunfó fue el capitalismo y la tecno-ciencia. Si la modernidad tuvo
como hilo conductor un modo de ver y pensar: la objetividad, ahora, el cetro y
la corona se lo entrega a la
subjetividad, de esta manera, asistimos a una heterogénea manera de vivir y
crear, esto, naturalmente abarcó las diversas formas der pensar en los
diferentes ámbitos de la vida, y de manera muy particular en las artes.
La ciencia y la técnica tomó el puesto de las
agotadas ideologías, al respecto, ha dicho Jürgen Habermas (1968) en su
trabajo: Ciencia y técnica como
“ideología”, el ser humano percibe la realidad en función de su posible
manipulación técnica, el arte no escapa a esta realidad. John Berger (1972/2001)
en Modos de ver, un libro que se basa
en un programa de televisión homónimo, reflexiona sobre cómo vemos y
decodificamos la realidad, naturalmente de manera subjetiva, la cual conduce a
un arte multidimensional, polivalente, híbrido, cambiante permanentemente.
Asimismo, ha dicho Berger, la vista llega antes de la palabra, más aún en
nuestro tiempo donde la imagen circula de manera avasallante por los medios
digitales, condicionando nuestra estructura de pensamiento. La imagen ha
desplazado la palabra como medio de comunicación. En este mismo planteamiento,
Walter Benjamin (1935/2003), dice en La
obra de arte en la reproductividad técnica, la reproducción de la obra de
arte masivamente separa lo producido de la tradición, destruye su aura,
modifica la noción misma de arte, su ´técnica, configurando una nueva forma de percepción
social y política.
El arte posmoderno surgido en los años 70, es
una evolución del moderno surgido a principios del siglo XX, asume el fracaso
de los movimientos de las vanguardias pasando a ser referencial, cuya
preocupación ahora de los artistas es: “el arte habla de arte” (el arte en un
fin en sí mismo y no un medio para servir a otros propósitos), Se sirve del arte
objetual, es un arte eclético, nomadista que van de un estilo a otro; un arte
cuya preocupación de los artistas es hablar de arte, sin pretensión de hacer
labor social. Que en esencia, buscan deconstruir los modelos clásicos, en
métodos, estilos y referencias, empleando además técnicas múltiples y las
tendencias de las nuevas tecnologías. La subjetividad en la creación, la
variedad estética (estética de lo feo), la temática amplia y conceptual son
elementos a considerar para su estudio. El artista rompe la barrera entre él y
el crítico como tradicionalmente estaba establecido, ahora le concierne la
producción de la obra y el trabajo del crítico: evaluarla e interpretarla; y la
posibilidad de un diálogo entre la teoría y la práctica; y entre el saber y el
hacer, que en el caso de esta muestra, por ejemplo: Mario Pérez y Eduardo
Azuaje, asumen este rol.
En los casos de estos artistas podemos hablar
de un Arte Multicultural Posmoderno/Postconceptual
donde los espacios, la evolución, los cambios de la sociedad; la
hibridación (hibridez creativa), lo interdisciplinario, la variedad conceptual,
los multimedios son sus características fundamentales. Un arte donde el artista
siempre está en una búsqueda de algo nuevo que revelar; no es un arte para
adornar, sino que predomina el contenido filosófico, pues el artistas ahora
emplea muchos medios infinitos que forman parte de una interminable lista;
además de tener presente el estudio de la luz, pues, ésta nos hace pensar de una
manera, y la oscuridad de otra (paradoja luz-oscuridad). Asimismo, toma como
referencia al arte Conceptual-Postconceptual: que prioriza conceptos, ideas por
encima de preocupaciones estéticas y materiales tradicionales. Pasemos ahora a
comentar brevemente la obra de nuestros expositores. Se observa un
expresionismo salvaje, despojado de talento artístico (en apariencia),
interesado en representar la deformidad humana (la estética brutal).
Kishio Suga, dimensión performativa
Kishio Suga, escultor y
artista de instalaciones mundialmente conocido nació en Japón en 1944, su
trabajo hace énfasis en los materiales y su entorno; se preocupa por la
exploración de los materiales en reacción a lo que veían como desarrollo
industrialización despiadada en Japón. La
obra de Kishio Suga (Ley de la Multitud) pertenece al
Guggenheim Abu Dhabi, se montó una copia de exhibición aquí en Caracas con la
autorización del artista y supervisión de la galería BLUM que lo representa. La pieza Law of Multitude pertenece al Guggenheim Abu Dhabi. El Guggenheim Abu Dhabi, BLUM y
Kishio Suga autorizaron recrear la pieza aquí y dictaron los parámetros para
montarla. La obra de Kishio Suga pertenece a la escuela de las cosas o Mono-Ha (M
Pérez, entrevista telefónica por whatsApp, febrero, 23 de 2025).
La Mono-ha (Escuelas de las Cosas), surgió
en Tokio, Japón en la década de 1960 y
principios de los 1970, es considerado un enfoque innovador por el empleo de materiales
no ortodoxos y empleo del espacio. El término fue acuñado por Teruo Fujieda y Toshiaki Minemura en la Revista Bijutsu en 1973 (Art Miami
Magazine, 2024). Este estilo artista explora en encuentro entre materiales
naturales e industriales tales como: piedra, planchas de acero, vidrio,
algodón, bombillos, alambre, entre otros. Uno de los propósitos al hacer uso de
diferentes materiales en sus trabajos es mostrar el desinterés con la
industrialización que ocurría en Japón por aquellos tiempos. La obra aquí
presentada una instalación de grandes proporciones, en un espacio donde puede ser
apreciada por su perímetro permitiendo hacer percepciones subjetivas al
espectador y, al mismo tiempo dialogar con ella y dar la impresión que escapa
de su creador, haciendo participe, al espectador en su configuración.
Recordando además lo efímero de la vida y el peligro en que se encuentra el
Planeta por el uso indiscriminado de sus recursos naturales.
Gary Kuehn|, más allá de los límites
convencionales
Gary Kuehn, nació en Nueva Jersey, Estados Unidos en 1939. La obra de
Gary Kuehn se puede clasificar como posminimalista o arte procesual. Vale
recordar que esta corriente artística contiene variedad de estilos, surgida en
los años 60, cuya referencia está en el arte minimalista (simplicidad e
impersonalidad), que la diferencia, aunque mantuvieron algunos elementos por
explorar, una mayor expresividad, y la experimentación con nuevos materiales y
técnicas, incluyendo además diversas formas de arte: conceptual, corporal,
performance, arte procesual o arte en proceso (el objeto del arte no es el
centro de atención principal), obras específicas de sitio (el artista considera
el sitio como una forma de arte y como una forma fundamental del proceso
creativo). Robert Irwin fue un artista
clave en la divulgación de este tipo de arte.
La obra de Gary aquí exhibida: Mattress
Piece (Pieza del Colchón), ready-made,
que nos recuerda, que eventualmente las cosas, pueden ser utilizadas para
destinos distintos para lo que fueron creadas, anunciando además, que las
reglas se crean y se rompen también. El colchón, creado para dormir (Hipnos,
para los griegos sueño), nos recuerda a Tánatos, su hermano gemelo (personificación
de la muerte para los griegos), advirtiendo la temporalidad de la vida humana.
Esta pieza, de profundo contenido filosófico y conceptual, nos recuerda el
instinto agresivo, instinto de muerte, una fuerza que subyace, tan importante
como su opuesto: el eros o instinto de
la vida.
Annette Lemieux, arte sin etiqueta
Annette Lemieux, nació en
Virginia, Estados Unidos en 1957, su obra es conocida a nivel global. Annette se niega a ser clasificada, pero
generalmente se incluye en el neoconceptualismo de herencia conceptual al igual que el posconceptualismo (cursivas
añadidas por el investigador), a su generación se le llamó Pictures Generation (M. Pérez, entrevista por whatsApp,
febrero, 23 de 2025). Pictures Generation (Generación de Artistas), aparece en
Estados Unidos en 1970, pertenecientes a la cultura de la imagen (TV), de una
sociedad ávida de consumo y bajo un constante bombardeo de mensajes visuales. La
TV, en su reinado fue considerada como creadora de estereotipos culturales,
raciales, religiosos políticos, sexuales, físicos…, sin embargo, los medios
digitales hoy han debilitado de manera extrema la palabra, poniéndole el Cetro
y la Corona a la Imagen digital. Si para Carl Marx, el trabajo alienaba al
hombre; la imagen hoy, cambio el tiempo de trabajo de la revolución industrial,
por el entretenimiento, teniendo como resultado: la estupidez colectiva.
La obra de Lemieux, No Words
(Sin Palabras), una auto-fotografía digital impresa sobre PVC de gran formato en la que posa con un
sombrero inclinado hacia la parte frontal-derecha con ambas manos cubriéndose
los ojos como indicando que tiene algo frente a sí que se niega a ver. Una obra
de contenido filosófico-conceptual que contiene una aptitud crítica a la
saturación visual de la imagen (desorden paradójico), la metamorfopsia del discurso visual que distorsiona y desacredita los contenidos de la realidad
(falacia visual, sofisma visual). Claro
está, la fotografía digital o la imagen digital puede ser empleada para fines
altruista y para la perversidad, la obra aquí presentada es un ejemplo del
empleo responsable de la imagen para combatir los grandes desafíos que enfrenta
la sociedad global: cambio climático, problemas de salud mundial, epidemias,
crecimiento poblacional, las cuales, al igual que Annette Lemieux, no queremos
ver, y nos cubrimos con las manos los ojos, para decir igual que ella: No Words.
Meyer Vaisman,
un artista controvertido
Nació
en Caracas, Venezuela en 1960, su obra ha sido expuesta en Suiza, Italia, EE.
UU., Brasil, París, Atenas, España, Canadá. Sobre su trabajo dice Mario Pérez:
“Meyer Vaisman también es difícil de clasificar, inicialmente su obra era pop
en los 80 y 90, pero más recientemente se hizo más cercana al minimalismo y
conceptualismo, pero sigue siendo inclasificable” (Entrevista por whatsApp, febrero, 23 de 2025). Cabe destacar sobre lo
dicho por Pérez, los artistas en la posmodernidad, migran de una tendencia a
otra, en muchos casos es un arte híbrido, multidisciplinario y
transdisciplinario, por lo tanto encuadrarlo dentro de una tendencia es casi
imposible, sin embargo se puede hacer lecturas sobre su obra sobre cómo va
evolucionando su proceso creativo, teniendo en cuenta la parcialidad de los
juicios que se puedan emitir sobre ella y del artista.
Ahora bien, para el artista
conceptual lo más relevante es la idea que la obra de arte como objeto material
o físico. En el arte minimalista, la preocupación del creador es el empleo de
formas geométricas sencillas, colores puros, donde la forma, el color y la
textura de pocos elementos y el espacio que rodea la obra son esenciales. El Pop Arte en cambio se inspira en la
publicidad, el consumismo y la cultura de masas. No obstante, de la obra de
Vaisman, aquí presentada: Pirámide,
podemos hacer alunas lecturas interesantes. La Pirámide es el monumento
arquitectónico de mayor antigüedad en la Tierra, la Pirámide de Guiza, ha estado emparentada con el concepto de eternidad,
como si detuviera el tiempo, sin embargo, la de Meyer Vaisman (arte efímero) es
un contraste con la dualidad humana muerte-vida (eternidad-temporalidad). Los
colores puros, los elementos geométricos de diseño sencillo, los materiales
constructivos al margen de la academia, el espacio, la luz de emergencia, nos
indicaría la confluencia de tendencias artística, propia de una obra de arte
posmoderna. Una obra ingeniosa, de contenido mítico y filosófico que nos
direcciona la mirada hacia el destino del hombre.
Mario Pérez,
más allá de la disciplina plástica
Mario Pérez, nació en Caracas en 1983. Realizó estudios de maestría en
Gerencia Empresarial, doctorado en Gestión en Investigación y Desarrollo. En 1999
ganó el Grand Prize de The 10th Kanagawa Biennial World Children's Art
Exhibition: Gran Premio de la Décima
Exposición Mundial de Arte Infantil de la Bienal de Kanagawa (cursivas,
traducción del investigador) donde participaron más de 46000 artistas de 129
países. Se ha dedicado a la ilustración para diversas publicaciones. El año 2019
el Museo Alejandro Otero organizó una muestra individual donde Pèrez expuso 84
obras. El trabajo de este Mario Pèrez se “caracteriza por ser muy personal y
difícil de clasificar en un movimiento artístico, presenta una síntesis propia
de la naturaleza y del paisaje que combina con objetos cotidianos” (Flamboyant
Gallery, 2020, pàrr 2)
Sobre
su obra, y la de Azuaje, el artista expresa: “Las obras de Eduardo y la mía
entran en una práctica que hemos llamado realismo precario, se relaciona con la
escuela de las cosas, el Land Art, el
Arte Povera y el conceptualismo… Igual las clasificaciones las usamos con pinzas”. (M. Pérez, audio telefónico por whatsApp, febrero, 23 de 2025). El Arte Povera (Arte Pobre) surgió en Italia en la
segunda mitad de la década de los sesenta, llamado así por Germano Celant,
emplean diverso tipos de materiales no ortodoxos en las artes visuales tales
como: piedra, madera, telas, objetos encontrados (ready-made), vajilla,
vegetales, carbón, arcilla. El Land Art.
(Arte de la Tierra, Arte Ambiental)Corriente artística que utiliza
materiales naturales para intervenir el paisaje. El conceptualismo o arte conceptual
surgió en los años 60 no se refiere a un grupo de artistas coherentes de
artistas y estilos. Tiene entre sus temáticas la crítica social y política, el
anticapilalismo del arte, apropiándose además de elementos de la cultura visual
a manera de crítica social y del arte dominante.
La conceptualización en la
creación del artista es un elemento necesario, por lo cual el concepto constituye
en el arte un factor irrenunciable radicalmente, la concepción estética de la obra de arte está unida a planteamientos filosóficos. Los
materiales empleados se expanden a una amplia gama aunada a la hibridación del
arte; irreverente en el orden estético en el empleo de los materiales no
convencionales, cuidando siempre, guardar relación, entre la obra de arte y la
totalidad de los materiales empleados (la idea de la obra y el objeto en sí
mismo y los materiales utilizados). Lo complejo del arte conceptual dificulta
establecer con precisión sus fronteras, sus límites de lo que es y nos es Arte conceptual.
Muchos de estos artistas han migrado al arte Postconceptual y otras formas de
arte, hacia un arte híbrido.
La obra de Mario Pèrez: Lluvia Salpicada, constituida por vidrio
(variadas botellas de vidrio rotas colocadas verticalmente de cuello y base),
pintura acrovinílica sobre tela de camuflaje, sumado a la iluminación de la
sala, que se refleja en el vidrio, en este caso, se integra a la obra, pasa a
ser una metáfora del invierno, que en la zona tórrida dolor, llorar o sumirse
en tristeza. La impresión visual de la
obra hace homenaje a su nombre. Una obra de arte efímero de objetos
encontrados, de contenido filosófico, que puede indicar, en algunas culturas
lágrimas de alguien que está sufriendo. Por su naturaleza, la obra de arte se
complementa con el valor subjetivo que le agrega el espectador.
Eduardo
Azuaje, su metáfora de la muerte
Eduardo
Azuaje, Pariaguán, Estado
Anzoátegui, Venezuela, ha expuesto su obra en Bogotá, Colombia; Paris, Francia;
California, Washington, Nueva York, EE. UU.; Sao Paulo, Brasil. Escultor y
pintor de arte informal en el arte figurativo. La obra Naufragio
(arte-efímero-conceptual-filosófico) alude, por los materiales constructivos y
el propósito simbólico de la obra, un vínculo enigmático con el más allá. La canoa sugiere a Caronte, mítica figura
de la mitología griega, un barquero cuyo trabajo era transportar a las almas al
Hades para ser juzgadas, y decidir su futuro descanso eterno. En la antigua
Grecia existía la creencia que los muertos debían llevar una moneda en la boca
para pagarle el servicio a Caronte. La canoa, uno de los materiales
constitutivos de esta obra sirvió a los indígenas caribes arahuacos de la zona
de Orinoco para viajar por el mar Caribe, rompiendo las fronteras
espacio-tiempo al igual que al pueblo egipcio.
LA sal
traída de Araya, Estado Sucre y la osamenta de animales con que está revestida
la canoa viene constituir los materiales constructivos de la obra. La sal como
valor simbólico está asociada a la fecundidad, salud, protección, pureza,
lealtad; la osamenta de animales representa
los elementos más perdurables e imperecederos, evidencia de la muerte, al
propio tiempo, simbolizan fertilidad y posibilidad de una nueva vida. El empleo
de huesos de animales como valor escultórico es un reto para el artista debido
a que los pesquisa en las sabanas de Pariaguán, en ardua búsqueda que luego
esteriliza no sin arduo trabajo en compañía de familiares y amigos, que luego
ensambla en enigmáticas y simbólicas figuras que no deja de causar estupor y
asombro al espectador por su perfección en la creación y estilo escultórico. En
esta obra se conjuga tres elementos esenciales: la canoa, la sal; los huesos de animales, asociados a la vida y
a la muerte; la temporalidad y la inmortalidad.
La Luz LED como valor Estético
Luz LED, acrónimo de
Light-Emitting Diode, en español Diodo Emisor de Luz, es de alto rendimiento,
no emite calor, rayos infrarrojos ni ultravioletas lo que ayuda a conservar las
obras. Permite un contraste entre lo efímero de las obras presentadas en sala y
la contribución al concepto de perennidad y existencia del color (de acuerdo a
la Física). No emite calor y contribuye a resaltar los detalles de las obras.
Contribuye a resaltar las formas, destacar determinados puntos del espacio
tomando protagonismo y de esta manera complementar la estética de las obras.
Sobre el empleo de este dispositivo eléctrico innovador, Mario Pérez, curador-expositor-museografía),
dice:
La idea era que estuvieran luces
de emergencias que reflectores de sala, es un tema de fondo y contenido,
en cuanto a forma porque es un tipo de luz… el dispositivo hace como más
presencia que los reflectores normales, los reflectores normales son
cilíndricos, son más discretos; éstos en cambio, tu vez el dispositivo… además
las luces se modificaron porque los bombillos son más potentes que los que
traen las luces de emergencias, la
iluminación forma parte como elemento activo en el espacio, por temas técnicos
no se podían… además porque era un espacio abierto había que proteger las obras
de los murciélagos durante las noches…(M Pérez, audio telefónico por whatsApp,
febrero, 23 de 2025).
Las luces,
aunque inmaterial, consolidó la muestra para darle forma visual y material a
las obras, formando parte de la misma contribuyendo a darle mayor presencia y
corporeidad a las mismas, dada a las características de la Sala, conjugándose
además con todos los elementos técnicos: montaje, curaduría, texto, fotografía
y materiales empleados para la realización de las obras y su ubicación
espacial.
Epílogo para 6 Estrellas
Una muestra de alto perfil con artistas, de renombre internacional como
los aquí presente, fue posible gracias al Proyecto
Sin Estrellas que supo coadyuvar voluntades muy heterogéneas (personales, institucionales) de distintas latitudes del
mundo, para cristalizar un evento tan singular como excelente, que servirá de
paradigma para futuras exposiciones en este orden. El arte aquí presentado
rechaza lo ideal, lo tradicional, es de carácter híbrido, subjetivo,
deconstructivo, crítico y autocrítico, reestructurativo (reorganiza, reforma,
remodela modifica, reconvierte lo existente). Se apoya además en el arte retro
derivado de tendencias del pasado, evoca épocas pasadas.
Eduardo Azuaje (Naufragio) presenta una
obra, más allá de los materiales constructivos alude lo mítico y lo simbólico. Gary Kuehn (Pieza de Colchón) nos coloca en el dilema de que es y no es arte,
poniendo en duda lo que representaba el arte en épocas pasadas, dándole una
valoración, tanto a su obra, como al arte en general, carácter subjetivo.
Meyer Vaisman (Pirámide), enuncia el misterio de la
vida, una paradoja entre el concepto material constructivo (efímero) y valor
simbólico de eternidad como una representación de la Pirámide de Guiza (que glorifica
la vida después de la muerte y como el mero comienzo de un viaje a la eternidad).
Annette Lemieux (Sin Palabras), aparece con las manos en
los ojos evocando el hastío hacia la estupidez humana, expresadas en imágenes,
donde la palabra (hablada o escrita) pasa a ser una joya arqueológica de
comunicación actual, en un contexto social que Guy Debord (1967), denominó: La Sociedad del Espectáculo; como el mal
de nuestro tiempo, la adulteración de todo conocimiento del mundo y la
mercancía como espectáculo.
Mario Pérez (Lluvia salpicada), es una metáfora que
conjuga el valor subjetivo de lo que es real y no lo es, pues, es nuestra
mente, la que condiciona la percepción humana. Funciona en la mente del
espectador como un isotipo, como
parte visual de la identidad del artista
Kishio Suga (Ley de la Multitud), incita, desde la
perspectiva de donde observamos la obra, el valor subjetivo como espectador, construyendo
una imagen cambiante, lo que hace que se produzca lo polivalente y
fenomenológico de la percepción humana. La obra se construye y se deconstruye
ante la mirada de los espectadores, como
un espectáculo, que en nuestro tiempo,
la imagen dejó atrás la palabra escrita. Evoca, de alguna manera, el río de
Heráclito de Éfeso.
Referencias
Art Miami Magazine. (2024). Mono-ha. https://artmiamimagazine.com/mono-ha-%E3%82%82-%E3%81%AE-%E6%B4%BE/.
Benjamin, W. (2003). La obra de arte en la época de su
reproductividad técnica. (A. E. Weikert, Trad.). México: Editorial Ítaca.
(Trabajo original publicado en 1935). https://monoskop.org/images/9/99/Benjamin_Walter_La_obra_de_arte_en_la_epoca_de_su_reproductibilidad_tecnica.pdf.
Berger,
J. (2001). Modos de Ver. (6a. ed.).
España: Editorial Gustavo Gil, S. A. (Trabajo original publicado en 1972). https://podereimagenblog.wordpress.com/wp-content/uploads/2019/03/berger-modos-de-ver.pdf.
Debord, G. (1967). La Sociedad del Espectáculo. (J. L.
Pardo, Trad.). Madrid: Revista de
Observaciones Filosóficas. https://www.observacionesfilosoficas.net/download/sociedadDebord.pdf.
Flamboyant Gallery.
(2020, Agosto 6). Él es Mario Pérez. [Texto]. Facebook. https://www.facebook.com/flamboyant.gallery/posts/el-es-mario-p%C3%A9rez-nace-en-caracas-en-1983ha-realizado-estudios-de-arte-maestr%C3%ADa-/3212198968867.
Habermas, J. (1968). Ciencia y técnica como “ideología”. (M.
Jiménez Redondo, Trad.). Chile: Centro de Estudios Miguel Enrique-Archivo
Chile. https://www.archivochile.com/Ideas_Autores/habermasj/esc_frank_haberm0002.pdf.
Lyotard, J. F. (1987). La Condición Postmoderna. (2a. ed.). Argentina:
Editorial R.E.I. Argentina S. A. (Trabajo original publicado en 1979). https://www.uv.mx/tipmal/files/2016/10/J-F-lyotard-la-condicion-posmoderna.pdf.
Muestra Visual
1. Gary Kuehn
Mattress Piece (Pieza
de Colchón)
1964-2024
Colchón y acero
184x140x25 cm.
Fotografía: Bárbara
Rodríguez (2024)
2. Kishio Suga
Law of Multitude (Ley de
la Multitud)
1975-2024
Plástico transparente,
piedra y concreto
100x620x772 cm
Copia de la exhibición,
colección Guggenheim Abu Dhabi
Fotografía: Bárbara
Rodríguez (2024)
3. Eduardo Azuaje
Naufragio (2024)
Canoa revestida con
huesos y sal
57x40x320 cm
Fotografía: Bárbara Rodríguez,
edición: Mario Pérez (2024)
4. Annette Lemieux
No Words (Sin
Palabras)
Impresión digital sobre
PVC
260X345 cm
Fotografía: Renato
Donzelli (2024)
5. Meyer Vaisman
Pirámide
2023-2024
Pintura acrovinílica
sobre zinc y ladrillos de arcilla
293x460x460 cm
Fotografía: Bárbara
Rodríguez (2024)
6. Mario Pérez
Lluvia salpicada
2019-2024
Vidrio y pintura
acrovinílica sobre tela de camuflaje
23x272x210 cm
Fotografía: Bárbara
Rodríguez (2024)
7. Museo de Bellas
Artes, Caracas
Valla publicitaria de
la exposición Sin Estrellas 2
Fotografía: Renato
Donzelli (2024)
8. Iluminación de la
Sala Experimental, Edificio Moderno, Museo de Bellas Artes, Caracas
Iluminación Luz LED.
Exposición Sin Estrellas 2
Fotografía: Bárbara
Rodríguez (2024)
9. Aviso publicitario
de la exposición Sin Estrellas 2
1092x1280 cm
Fotografía: Renato
Donzelli, Edición: Bárbara Rodríguez (2024)
10. Sala de
Experimental, Edificio Moderno, Museo de Bellas Artes, Caracas
Fotografía: Bárbara
Rodríguez (2024)
11. Mario Pérez
Lluvia salpicada (detalle)
Fotografía: Bárbara
Rodríguez (2024)
12. Iluminación de la
Sala Experimental, Edificio Moderno, Museo de Bellas Artes, Caracas. Iluminación
Luz LED. Exposición Sin Estrellas 2
Fotografía: Bárbara
Rodríguez (2024)
13. Iluminación de la
Sala Experimental, Edificio Moderno, Museo de Bellas Artes, Caracas.
Iluminación Luz LED. Exposición Sin Estrellas 2
Fotografía: Elio
Benítez (2025)
14. Mario Pérez
Lluvia salpicada (detalle)
Fotografía: Elio
Benítez (2025)
15. Kishio Suga
Law of Multitude (Ley de
la Multitud)
1975-2024
Plástico transparente,
piedra y concreto
100x620x772 cm
Copia de la exhibición,
colección Guggenheim Abu Dhabi
Fotografía: Elio
Benítez (2025)
16. Meyer Vaisman
Pirámide
2023-2024
Pintura acrovinílica
sobre zinc y ladrillos de arcilla
293x460x460 cm
Fotografía: Elio
Benítez (2025)
17. Eduardo Azuaje al
lado de su obra (Naufragio)
Fotografía: Elio
Benítez (2025)
18. Mario Pérez al lado
de su obra (Lluvia salpicada)
Fotografía: Elio
Benítez (2025)
SIN ESTRELLAS 2. 6 ESTRELLAS DEL ARTE POSMODERNO
Texto: Dr. Manuel Bas
Edición Dr. Manuel Bas
Poster Online: Licda. Rocío Palmera
Agradecimientos: Eduardo Azuaje, Mario
Pérez, Gary Kuehn, Kishio Suga, Meyer
Vaisman,
Annette Lemieux, Elio Benítez. Proyecto Sin Estrellas, Museo de Bellas Artes,
Galería
BLUM, Guggenheim Abu Dhabi
Fotografía: Bárbara Rodríguez, Renato Donzelli, Elio
Benítez y Dayana Doria
Edición: Mario Pérez, Bárbara Rodríguez, Rosana Blanco
EXPOSICIÓN SIN ESTRELLAS 2
Fotografía: Bárbara Rodríguez, Renato Donzelli, Elio
Benítez y Dayana Doria
Edición: Mario Pérez, Bárbara Rodríguez, Rosana Blanco
SIN ESTRELLAS 2
Texto de Sala: Zacarías García y Mario Pérez
Fotografía: Bárbara Rodríguez, Renato Donzelli, Elio Benítez
y Dayana Doria
Edición: Mario Pérez, Bárbara Rodríguez, Rosana Blanco
Ficha Técnica: Dayana Doria
Diseño Gráfico: Geysa Santos
Montaje de la Exposición: montaje de
Eduardo Azuaje, Francisco López y Yobel Parra
Electricidad e iluminación de la Sala: Alexis Gómez y Oscar
Jiménez
Albañilería: José Merchán y Alexei Merchán
Caracas,
D. C., Pequeña Venecia, marzo de 2025
