Cultura y Arte Americano: 2018

sábado, 20 de octubre de 2018

TRIBUTO PARA UN AMIGO IN MEMORIAM A MOSHE ARAMATI M.

TRIBUTO PARA UN AMIGO IN MEMORIAM A MOSHE ARAMATI M.

Moshe Aramati M. nació el 17 de diciembre de 1956, en la legendaria ciudad de Alejandría fundada por Alejandro Magno en el 322 a. C., ubicada al norte de Egipto, en la zona más occidental del delta del río Nilo, sobre una loma que separa al lago Mariout del mar Mediterráneo. Estudió Ingeniería Civil en la Universidad Metropolitana, Caracas D. C., Venezuela. Fue un hombre más entregado a las artes visuales que a su profesión de ingeniero. El arte fue su vida.

Conocí a Moshe Aramati M. en 1998 en el Museo de Anzoátegui de Barcelona en una exposición que no recuerdo de qué artista era. Época en la cual tenía la tienda de venta de obras de arte: Galería Sharon, en el Centro Comercial El Peñón del Faro en Lechería. A partir de ese momento nos hicimos amigos. A menudo nos dispensábamos visitas, él a mi casa en la urbanización “Los Mangles”, en la capital anzoatiguense, y yo a la suya, en la urbanización El Peñonal, Conjunto Residencial La Rosaleda No. 1, del municipio “Diego Bautista Urbaneja”, Lechería. En esos encuentros teníamos largas tertulias sobre artes plásticas.

El arte nos hizo amigos. Aramati, además de ser un galerista era un gran coleccionista y conocedor del arte nacional. La última visita que le hice a su casa de Lechería, fue a finales del año 2008, antes de venirme a vivir a Caracas D. C. En aquella oportunidad, nos tomamos algunas cervezas, y me mostró unos cuadros que él estaba pintando, en el que el color, las figuras geométricas, las transparencias y los planos superpuesto son característicos. De esta época data un catálogo que él hizo contentivo de un texto que escribió donde conceptualmente se refiere a su trabajo plástico y, ocho (8) fotografías de sus pinturas, que aquí doy a conocer.

Estando yo, ya residenciado en la capital del país, nos llamábamos eventualmente. Hace más o menos dos años, en varias oportunidades, Moshe Aramati estando de paso por Caracas, me invitó a su apartamento del Conjunto Residencial Ávila, de San Bernardino, en esas ocasiones intercambiamos unas pinturas, y conversamos sobre el trabajo pictórico que estaba realizando. Desde aquellos momentos nos vimos más. Esporádicamente cruzamos algunas palabras por teléfono. Hasta que este año (2018) me enteré que lo habían encontrado muerto en su casa de Lechería. Paz a su alma. Recuerda Moshe, donde quieras que tu estés, que los buenos amigos son para siempre ¡Hasta pronto amigo¡

El texto y las fotografías que siguen, son la reproducción textual del referido catálogo:

Lo que siento…

Del cuaderno de mi memoria:

Siempre he sentido la necesidad de debatir entre la función del abstraccionismo y el informalismo, en un impulso de acciones desarrolladas, incluyendo, advirtiendo y orientando el movimiento en espacios ilusorios, con elementos contrapuestos dentro del arte moderno y contemporáneo.

Manifiesto y aseguro que los diversos planos de mi obra son activados primero, por la mente, en las formas de círculos, rombos, rectángulos, diagonales y, segundo, por los sentidos, reflejando los filtros de colores y transparencias que tanto apasionan, dando importancia a la resonancia del espíritu y al gesto contundente de la vida, y, de allí viene el gestualismo, en forma lírica e impaciente, formulando la libertad laberíntica en una variación atmosférica, donde cada línea ramifica y origina nuevas visiones, que forman parte del acontecimiento producido por el encuentro de diversos tiempos, donde se logra infinitos accesos que permiten una multiplicidad de lecturas. Pienso que las obras de arte tienen que ser vividas además de ser simplemente contempladas, y, es así como se llenan de significados y revelaciones, que constituyen el mensaje de la existencia. Visiones mayores, Danzas, Conquistas, Encuentros, Tiempos Recuperados, Iniciación, Reflexión, Esplendor, Contemplación, Señales, Testigos del Tiempo, Marcados por el tiempo, Mensajes, Memorias del silencio.

Y… he aquí lo que siento*.

Moshe Aramati M.*

MUESTRA VISUAL

1. Sinfonía Azul (2008)

2. Fragmentos del Tiempo (2008)

3. Dimensiones del Inicio (2008)

4. Emersión (2008)

5. Entre Planos (2008)

6. Lejanías (2008)

7. El Aro (2008)

8. Preludio de Libertad (2008)

TRIBUTO PARA UN AMIGO. IN MEMÓRIAM A MOSHE ARAMAT M.

AUTOR: Manuel Bas

EDICIÓN: Eduardo Palmera Gómez & Manuel Bas

FOTOGRAFÍA: Moshe Aramati M.

TEXTOS: Moshe Aramati M. & Manuel Bas

COMPILADOR DE TEXTO: Manuel Bas

Caracas, Ciudad de los Techos Rojos, 15 de octubre de 2018

martes, 2 de octubre de 2018

Perspectiva: 16 Artistas en un espacio alternativo

miércoles, 2 de mayo de 2018

EDUARDO AZUAJE SIN CORDERO DE DIOS (La escultura como una metáfora de la muerte)

EDUARDO AZUAJE SIN CORDERO DE DIOS

(La escultura como una metáfora de la muerte)

“Párate, y considera / esta mansión postrera. / donde todos vendrán a reposar. / Mi rostro cubre el polvo que he pisado; /a muchos de la muerte he libertado / pero yo no me puedo libertar” (Abenzoar, s. f., Epitafio p.7).

“Dejar la vida es un ejercicio / Dejarla / en los vanos aleros nocturnos / en los sonidos del asombro / Una errada pertenencia de cosas frágiles / o muertas al nacer / Flor en la voz que quiebra en el aire / báculo y nudo de tantos afanes mortales / Dejar la vida es un ejercicio feroz” (César Suppini, 1993, Designio p.39).

El domingo 25 de febrero del año en curso, en la Sala 6 del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, se le daba cierre a la exposición individual del artista plástico Eduardo Azuaje titulada: Sin cordero de Dios. Aproximación a una poética de la muerte, inaugurada el 13 de agosto de 2017. El título referido, anuncia el abordaje de un tema tan escabroso, como lo es la muerte. La muestra se le puede dar una mirada de unitaria como una instalación, o como obras individuales, aunque la temática es como un hilo conductor, y las piezas escultóricas son como las cuencas de un collar.

Están en sala, cinco obras de gran formato elaboradas a manera de ensamblajes con huesos de animales sujetados con tornillos y pegamento industrial; cinco bocetos realizado por el artista como estudio previo, con grafito y tinta sobre papel, y dos producciones fílmicas: un software art y un documentary film, que viene a formar parte de la exposición en su conjunto. La materia fundamental para la elaboración de las piezas escultóricas son osamentas de animales de diversa naturaleza, que el artista con arduo trabajo pesquisaba en distintos momentos y lugares en las sabanas de Pariaguán, estado Anzoátegui, Venezuela donde nació. No de menos complejidad es la esterilización de los restos animales encontrados, lo que implicaba una trabajosa labor, que fue posible gracias a la colaboración de sus amigos. El ensamblaje de las partes a manera de estructura anatómica humana, no dejar de causar estupor y asombro en los espectadores por lo complejo de su estructuración y la perfección en su estilo.

Esta expresión plástica descarnada, de figuras colosales incompletas del cuerpo humano, que emulan sus tejidos musculares, por el material empleado, no deja de otorgarle contenido simbólico en el sentido de renacer a una nueva existencia. Por ejemplo, la obra: “La maleta de Ezequiel” es una metáfora de la muerte, de nuestro último viaje sin retorno. La semiótica de estas estructuras expresan un profundo sentimiento relacionado con el destino humano, nos interroga como la Gran Esfinge de Giza de Egipto, nos plantea un acertijo para ser descifrado.

Son pocos los artistas que han trabajado la muerte como tema, mucho menos con el empleo de esqueletos de animales para sus creaciones artísticas. Éste es un tema tabú, y quienes lo han abordado no tienen recuerdos felices, ni seguidores que lo apoyen. Sin embargo siempre hay personas irreverentes que toman el riesgo de confrontarlo, presentando una propuesta plástica que está en el umbral de lo permitido, de lo aprobado por el colectivo social, Eduardo Azuaje es de este linaje de artistas. Porque la muerte acontecida de la mejor manera no deja de ser violenta: algo terrible. Es trágica por naturaleza. Los griegos en la antigüedad clásica veían la existencia humana como un drama, cuyo fin es trágico: morir.

Cabe destacar, referente a lo arriba expresado, como antecedente, la exposición realizada en 1962 por Carlos Contramaestre titulada Homenaje a Necrofilia llevada a cabo en la Galería El Techo de la Ballena, Caracas D. C., Venezuela, en la que exhibe un cordero sacrificado suspendido de una viga, que aludía las obras de Rembrandt El Buey Degollado (1643 y 1655). Esta exposición terminó cerrada por el Ministerio de Sanidad y el Aseo Urbano cargó con la mayoría de las obras.

En 1962, con el mismo espíritu contradictorio, Miguel Von Dangel, expuso en la Galería 22 la muestra “Sacrifixiones”, que va a ser el preámbulo de otra realizada en 1972 en el INCIBA, Palacio de Bellas Artes, Caracas titulada: “Relato Espiritual de un Tiempo” en la que pone en exhibición un perro crucificado, obra censurada por la ortodoxia eclesiástica de entonces, y que el párroco de la catedral de Caracas, Monseñor Augusto Laboren, arrojó las obras en el patio de la edificación. Esta muestra desde el punto de vista conceptual representa una visión brutal de una época, un emblema de los débiles e indefensos sometidos por los regímenes políticos de fuerza.

La exposición de Eduardo Azuaje ha tenido gran aceptación del público, incluso sorpresa, quizá por la manera ingeniosa de como ensambló los huesos dándole la forma anatómica del cuerpo humano, que viene a ser complementada con el documentary film en la que se puede observar la laboriosa actividad de destrucción de los gérmenes patógenos; el estudio del proyecto expositivo representado en los cinco bocetos exhibido en el museo, finalizando, no en menos ardua tarea, el ensamblaje de capa sobre capa de huesos para darles forma del tejido muscular del cuerpo humano, balanceadas de manera simétricas y uniformes, cuyo fin es emularlo. Es un trabajo en que lo conceptual y los materiales utilizados prevalecen por encima de los elementos formales de las esculturas.

Lo cierto es, que ese corto o largo periplo por el planeta Tierra que llamamos vida, en la que somos de alguna manera Edipo Rey, finaliza tarde o temprano con la muerte, el fin del drama humano. Animales que en todo caso, que transitaban por diferentes sendas, pero hacia un mismo destino: morir; renacen a través del genio creativo de Eduardo Azuaje, que es como burlar la muerte, la violencia transmutada en partes humanas, en un grupo de figuras que representan de manera simbólica una sociedad desquiciada (Los que pierden la cabeza); que no obran ni política ni éticamente bien (Brazo de Pablo); que no sabe hacia dónde va (Pierna de Pedro); pero que está dispuesta a enfrentar los problemas (Torso de Juan); teniendo siempre presente y pendiente que la vida es un viaje hacia la eternidad (Maleta de Ezequiel).

Las obras en su conjunto, de acuerdo con Velázquez (2017): “es el resultado de una investigación compleja, inteligente y profunda donde el cuerpo es objeto de referencia del discurso visual, pero al mismo tiempo símbolo de la violencia, de la destrucción, de la muerte” (p. 8). Representan al cuerpo humano desarticulado, símbolo de la anarquía existente en nuestro mundo actual.

REFERENCIAS

Abenzoar. (s. f.). Epitafio. En Editorial El Libro Español (Comp.). (1967). 500 Poesías Famosas de la Literatura Universal (ed. il.). México: Autor, p.7.

Suppini, César. (1993/2012). Prosas del Desierto. [Designio] (1a. ed.). Barcelona-Venezuela: Fundación Fondo Editorial del Caribe, p. 39.

Velázquez, Luis. (2017, Agosto). [Texto del catálogo]. En Museo de Arte Contemporáneo. (2017, Agosto 13). Sin Cordero de Dios. Aproximación a una poética de la muerte. Eduardo Azuaje. Publ. No. 293 (pp. 5-8). Caracas: Autor. *

*Manuel Bas. Barcelona, estado Anzoátegui, Venezuela, 1959. Profesor Agregado, Universidad Nacional Experimental “Simón Rodríguez” (UNESR). Pregrado: Licenciado en Educación Integral, Mención Ciencias Sociales (UNESR). Postgrado: Especialista en Gerencia Educacional, Universidad Pedagógica Experimental Libertador (UPEL). Magister Scientiarum en Tecnología y Diseño Educativo (UNESR/Instituto Tecnológico de Monterrey Universidad Virtual, México). Curso de Postgrado de Ampliación: Comprensión de la Realidad Educativa Nacional y Ética de la Profesión Docente (UNESR). Curso de Postgrado de Ampliación: Culturalidad Africana Latinoamericana y Caribeña del Doctorado en Cultura y Arte para América Latina y el Caribe, Instituto Pedagógico de Caracas (IPC). Tesista del Doctorado en Cultura y Arte para América Latina y el Caribe.

POSTER ON LINE: Eduardo Palmera Gómez.

FOTOGRAFÍA: Manuel Bas. José Graterón Luque

EDICIÓN: Manuel Bas & Eduardo Palmera.

Caracas D. C., Venezuela, abril de 2018.

MUESTRA VISUAL

1. Eduardo Azuaje (izquierda) Manuel Bas (derecha). Fotografía José Graterón Luque, Caracas D. C. Venezuela.

2. La maleta de Ezequiel (2017). Ensamblaje con huesos, tornillos y pegamento industrial. Fotografía Manuel Bas, Caracas D. C. Venezuela.

3. Torso de Juan (2017). Ensamblaje con huesos, tornillos y pegamento industrial. Fotografía Manuel Bas,

Caracas D. C. Venezuela.

4. Los que pierden la cabeza (2016). Ensamblaje con huesos, tornillos y pegamento industrial. Fotografía Manuel Bas, Caracas D. C. Venezuela.

5. Brazo de Pablo (2017). Ensamblaje con huesos, tornillos y pegamento industrial. Fotografía Manuel Bas, Caracas D. C. Venezuela.

6. Pierna de Pedro (2017). Ensamblaje con huesos, tornillos y pegamento industrial. Fotografía Manuel Bas, Caracas D. C. Venezuela.

martes, 24 de abril de 2018

HISTORIAS EN IMÁGENES

(Dibujos y Bocetos de Jaime Rolingson)

“La historia, testigo de los tiempos, luz de la verdad, vida de la memoria, maestra de vida, mensajera de la antigüedad, ¿con qué voz habla a la inmortalidad sino con la voz del orador” (Marco Tulio Cicerón, 106 a. C.-43 a. C.). (1).

Imágenes de Colores a manera de presentación. Dos de las características que definen los dibujos de Jaime Eduardo Rolingson Villasana es el predominio del color sobre la línea, colores brillantes en los que subyace el sentido histórico de testimoniar. Este último elemento es un rasgo caracterizador común compartido con sus tallas. En esta oportunidad presentamos un conjunto de obras referidas, en cuanto a la temática a tradiciones religiosas, fiestas populares, retratos, jinetes, paisajes de Píritu y Puerto Píritu, naturalezas muertas, animales con y sin la presencia humana, escenas campestres. El propósito de estas líneas es dar a conocer una faceta poco conocida del artista: la de dibujante, porque Rolingson es conocido como tallista. Amigos lectores, los exhorto a conocer sus Historia en Imágenes.

Origen de la Familia Rolingson. El apellido Rolingson está asociado a nuestra historia patria, se remonta a la guerra de Independencia. Este nombre distintivo es de origen inglés. El primer Rolingson llegó a Venezuela con la legión británica en 1816. Se trata de James Rolingson, quien arribó a nuestro país por el cerro El Morro de Lechería junto al general Luis Brión. En 1823 figuró en la Batalla Naval de Maracaibo y en La Toma de Puerto Cabello al lado del General José Antonio Páez. Rolingson era médico de profesión asimilado a la milicia.

Se casó con la margariteña Carmen Jiménez, de esa unión nacieron dos hijos: Antonio y Esterlina Rolingson Jiménez. Antonio contrae nupcias con Carmen Herrera, de esta unión nacen Pedro, Juan, Santiago, Rafael y Amelia. Pedro Rolingson Herrera se casa con Mercedes Herrera Mongua, de este casamiento nacen ocho hijos, cinco varones y tres hembras: Pedro Antonio, Carlos Rafael, Jaime Leopoldo, Francisco José, Jesús Simón, Carmen María, Mercedes Elena y Enriqueta; el único de estos hermanos que todavía vive es Jaime Leopoldo. Pedro Rolingson Herrera, nieto de James Rolingson, es el primer Rolingson llegado a Píritu donde tuvo una intensa actividad pública. Fue un hombre polifacético: médico, periodista, escultor, constructor, maestro de escuela, entre otros oficios. Carlos Rafael Rolingson Herrera, el segundo de sus hijos, se casa con Ismenia Villasana, de esta unión nacen cinco varones: Rafael, Jaime, Carlos, Pedro y Francisco y cuatro hembras: Auralba, Mercedes, Ismenia, Zuleida. El segundo de sus hijos, Jaime, es nuestro artista.

Un pueblo y una familia rica en historia. Píritu es uno de los primeros pueblos construidos en el oriente del país, incluso antes que Barcelona. Fue fundado en 1566 por Fray Juan de Mendoza. Para 1656 se instala en este poblado la Misión de la Concepción de Píritu centro de operaciones de las misiones de los franciscanos observantes. Desde esta misión se comenzó a evangelizar y poblar el estado Anzoátegui durante los siglos XVII y XVIII. Las misiones de Píritu fueron responsables de construir dos de las edificaciones más importantes de Barcelona durante el dieciocho: el Convento de San Francisco, convertido por Freites y Mariño en fuerte militar por órdenes de Bolívar, para hacerle frente a la envestida militar del General Aldana el 7 de abril de 1817, escenario bélico donde expresaron su valor el General Pedro María Freites y la heroína Eulalia Buroz. La otra obra, el Hospicio de la Caridad del Cobre o Colegio de la Propaganda como también se le llamaba, donde funcionó el Hospital Luis Razetti, esta obra fue demolida en 1969. Ambas datan de 1738.

Además de lo señalado, sobre Píritu, cabe destacar la estadía de Bolívar por Píritu cuando la Emigración de Oriente en 1814, a raíz de la derrota del ejército Libertador en la Batalla de la Puerta el 15 de junio, los patriotas tuvieron que emigrar, ante la ocupación realista a Caracas dirigida por Boves, hacia el oriente de Venezuela. En este mismo poblado, más tarde, en el marco de la Guerra Federal fue fusilado en la plaza de la Federación, Pacifico Tarache, que tiene como testigo de estos dos acontecimientos la Iglesia Nuestra Señora de la Inmaculada Concepción de Píritu, la Dama de las Mil Cara, como la denominaba Valentin Rodríguez “Invarro” (+). Esta iglesia fue construida por Fray Salvador Romero entre 1674-1745. En este ambiente histórico-cultural nace Jaime Rolingson.

Su niñez y su vida escolar. Desde niño escuchaba de boca de sus familiares el papel que jugó su pariente de ascendencia directa, James Rolingson, en la épica emancipadora de Venezuela. Además de pequeñas historias de familiares y amigos que visitaban Píritu provenientes de Curazao, que accesaban por el viejo puerto de Playa Maurica, en embarcaciones con las que el estado comerciaba con Las Antillas. Estudió primaria en el colegio “Pedro Celestino Muñoz” de su tierra natal entre 1962-1968. En la misma población curso bachillerato el el Liceo “Pedro Rolingson Herrera” en los años 1978-80. Este ambiente, influyó por su interés por la historia, que va a reflejar en sus creaciones artísticas. Sus primeras tallas datan de 1970 referidas a personajes históricos.

Su oficio de bibliotecario. El 16 de septiembre de 1975 pasa a ser bibliotecario de la Biblioteca Pública “Fray Juan de Mendoza” donde va a prestar servicios hasta enero de 2002, cuando es jubilado. Su interés por la historia que le viene de su grupo familiar, de quienes escuchaba de vivas voz las hazañas de James Rolingson, y del papel protagónico que jugó Pedro Rolingson Herrera en Píritu, fue incrementándose en los estudios de bachillerato; pero fue decisivo, en su formación, aunque no realizó estudios universitarios, su trabajo en la biblioteca referida debido a que le dio la oportunidad al acceso de fuentes documentales, convirtiéndose en asiduo lector, con mayor interés en los libros de Historia Universal e Historia de Venezuela. Esto explicaría tanto en las tallas como en el dibujo, la escogencia de personajes protagónicos en la historia del mundo en diversos campos del saber, y de los grandes cambios que en él se sucedieron a lo largo del tiempo.

Su primera exposición y sus exposiciones más importantes. Su oficio de tallista, como escribí en líneas precedentes data de 1970, su primera exposición individual la realizó en 1990 en la Alcaldía del Municipio Fernando de Peñalver, bajo su patrocinio. Dos años después, la misma institución, en la misma localidad le organizó otra muestra personal. El primer evento le abrió las puertas para su participación en 1991 en la Expo-Feria Internacional de Artesanía Quibor-Tintorero, estado Lara, Venezuela; en 1993 en la Primera Muestra Iberoamericana de Artesanía llevada a cabo en el Hotel Meliá de Puerto La Cruz; en 1994 en la Segunda Muestra Iberoamericana de Artesanía en el Hotel Maremares en Lechería; y en 1995 en la Feria Nacional de Artesanía presentada en la plaza Tricentenaria de Barcelona, eventos organizados por la Gobernación del Estado Anzoátegui.

Otra forma de expresión. De 1970 a 1990 han transcurrido dos décadas, esta última data viene a ser para el artista como una encrucijada en la que se plantea otra forma de expresión: el dibujo. El creador siente la necesidad de expresarse de otra manera a la que tradicionalmente acostumbraba, para ello acude al dibujo, no sin antes ejercitarse arduamente con líneas rectas y curvas para la soltura del trazo, para luego pasar al estudio anatómico cuerpo humano y sus partes faciales: ojos, boca, nariz, y el rostro en general; igualmente con el de animales, teniendo como modelos caballos, perros, y en menor cuantía aves, y el follaje de paisajes, hojas flores, sus elementos constitutivos. De esta ejercitación pasa a otro nivel: el boceto, muy numerosos por cierto, que denota vértigo o temor a no ejecutarlos a la altura de sus aspiraciones. Luego pasa al dibujo propiamente dicho, no sin abandonar la ejercitación y la realización de bocetos.

Cabe acotar, que pareciera no lograr la confianza en los progresos logrado con el dibujo o de estar obsesionado con él. Gran parte de estas obras provienen de revistas, algunas otras de la realidad que le circunda (Píritu-Puerto Píritu); en ambos casos, son una interpretación, del motivo representado. Su trabajo muestra cierta libertad, lirismo que le da a sus creaciones cierta originalidad. Se sirve de soportes tales como: la cartulina y el papel, con el empleo del grafito, la témpera, la pintura al frío, los marcadores de dibujo, creyones, en lo que es esencial el color, el cual desborda la obra, la línea viene a ser un pretexto para insinuar la forma y el contorno de la figura que toma forma definitivamente con los valores cromáticos.

La coloración tiene una supremacía sobre la línea. Sus trabajos siempre tienen un trasfondo anecdótico e histórico. Sus dibujos son una historia contada en imágenes. Emplea la imagen de la misma manera, como las palabras el que escribe, buscando un sentido narrativo. Para Jaime Rolingson hay un paralelismo entre la imagen y la palabra, está consciente que sirve para testimoniar, para borrar del olvido acontecimientos, lugares, personajes, entre otros y traerlos a nuestro presente. Está consciente que la imagen, más que imagen es un documento.

Descubrimiento de sus dibujos. Sus ejercitaciones y bocetos datan más o menos de 1990, sus dibujos surgen en 1994. Éstos no eran conocidos. Aunque conozco a Jaime Rolingson hace más de 20 años, y sabía de sus tallas en madera y piedra, y de alguna que otra figura en arcilla realizada por él, ignoraba que se dedicaba a dibujar. En el año 2009, cuando decidí mudarme de Barcelona para Caracas donde resido actualmente, en una eventual visita a Píritu-Puerto Píritu, le extendí una visita a Rolingson en su casa, fue cuando tuve el privilegio de ver sus cuadernos de estudio y apuntes, y una cantidad importante de bocetos, dibujos, que me mostró entre una mezcla de timidez e inseguridad, a lo cual le sugerí que realizara un exposición con ellos, que valía la pena exhibirlos. Recuerdo haber visto ejercicios de trazo, estudios de partes del cuerpo humano, animales y paisajes; bocetos y dibujos de personajes históricos, paisajes de la localidad, y otros tomados de revistas de diversos lugares de Venezuela, animales escenas campestres, entre otros. El 4 de enero de 2013, en otra visita al artista, fue cuando surgió la idea de escribir este trabajo, para lo cual le puse más atención a su trabajo que la vez anterior. Hasta ahora no los había expuesto.

La Exposición en la Biblioteca Pública Fray Juan de Mendoza. En esta institución ubicada en Píritu, el 23 de abril de 2014, a las 2 pm., se inauguraba la exposición individual de Jaime Rolingson titulada: Exposición Personal “Huellas de Imborrables Colores” de Jaime Rolingson. El texto del catálogo estuvo a cargo de Mabel Alonso Betharte, quien nos deja esta semblanza de la obra del artista:

Motivado por acontecimientos y contemplaciones reflexivas del entorno, Jaime Rolingson agota en la cartulina su colorido espíritu insuperable del arraigo y amantes de las tradiciones venezolanas. Dentro de su campo visor da prioridad a la naturaleza en todas sus delicadas representaciones del día a día, siente y plasma el respeto por la elegancia de la flor, la libertad de las aves, el misterio de los bailes y toques, pero esto no es más que un reclamo, un grito a preservar lo aparentemente imperceptible (la extinción de las especies, el verde de los campos y las tradiciones) se duele por su país y esta es su mejor manera de hacerlo sentir en su primera exposición personal de dibujo: “Huellas de Imborrables Colores (p. s/n.). (2).

Por cierto, a todo color, en el catálogo de la muestra, aparecen tres dibujos, el primero, refiere tres aves emblemáticas de la ornitología venezolana: el Turpial (icterus icterus), nuestra ave nacional; la Guacamaya Bandera (Ara. macao) con su plumaje tricolor y el ave venezolana más conocida en el mundo, la cual aparece en nuestro billete de 100 bolívares, por cierto a punto de extinción, el Cardenalito (Carduelis Cucullata); el segundo, la orquídea (Orchidaceae), nuestra flor nacional, y el tercero, un paisaje de la laguna de Píritu adornada con sus encantadoras aves locales: el Corocoro Negro (Eudocimus ruber) y el Corocoro Colorado (Mesembrinibis cayennensis). Esta muestra engalana al poblado de Píritu, y, al propio tiempo, es un reconocimiento al trabajo creador de nuestro patrimonio cultural de la localidad. Rolingson con su trabajo enaltece el gentilicio piriteño.

Palabras finales para una historia en imágenes. Hay quienes se sirven de la palabra para rememorar el pasado, otros de la imagen, de este último linaje es Jaime Rolingson, porque para él, la imagen cuenta una historia, deja vivo en el presente, aquello acontecido que definitivamente hubiera quedado en la oscuridad insondable del olvido, sino se contara en imágenes.

NOTAS

Wikiquote. (2017, Octubre 29). De Wikiquote, la colección libre de citas y frases célebres. Marco Tulio Cicerón. [Documento en línea]. Disponible: https://es.wikiquote.org/wiki/Cicerón. (Consulta: 2018, Abril 8).
Alfonso Betharte, M. (2014, Abril 23). Exposición Personal “Huellas de Imborrables Colores” de: Jaime Eduardo Rolingson [Catálogo de exposición]. Píritu, Anzoátegui: Biblioteca “Fray Juan de Mendoza”.

LOCALIZACIÓN DEL ARTISTA. Calle Comercio, casa No. 24, diagonal al pozo El Jabillo, Píritu, Municipio Píritu, Estado Anzoátegui, Venezuela. Teléfono: (0281) 4410531*

POSTER ON LINE: Eduardo Palmera Gómez.

FOTOGRAFÍA: Manuel Bas

Obras de la colección Manuel Bas, Caracas D.C., Venezuela.

Caracas D. C., Venezuela, abril de 2018.

MUESTRA VISUAL