WILLIAM
HADELL ÁLVAREZ DEL OTRO LADO DE LA MEMORIA*
"Si no fuera de mi tiempo e intentara entenderlo, estaría
muerto" (Marc Augé, 2016).
“Lo
que es un lugar para algunos puede ser un no lugar para otros” (Marc Auge 2016)
“La vida social ya se ha transformado en
una vida electrónica o cibervida.” (Zygmunt
Bauman 2017).
La guerra es la
guerra. El único ser humano bueno es el que ha muerto (George Orwell, 1949).
“Toda la
propaganda de guerra, todos los gritos y mentiras y odio, provienen invariablemente
de gente que no está peleando”. (George Orwell, 1949)
“Lo importante
no es mantenerse vivo sino mantenerse humano” (George Orwell, 1949).
PALABRAS INICIALES
Ha sido
costumbre en mi vida por más de 40 años, disponer de tiempo para visitar museos
y galerías; así como también asistir a las bienales, salones y exposiciones que
se venían haciendo a lo largo y ancho del país, y, naturalmente, leer sus
publicaciones. Sin dejar de lado las visitas a artistas en sus talleres para
ver sus creaciones, compartir con ellos, a través de tertulias, en qué consistían los procesos
creativos de sus obras. Era de algún modo, esas visitas, una especie de
curaduría itinerante. De este contacto con el mundo de las artes visuales surgieron ideas que luego plasmé en posteriores trabajos
que fueron publicados en mis blogs. Conocí, de esta manera, quizás un millar o
más de artistas, sin descartar coleccionistas y ver sus colecciones y críticos
de arte, de quienes leí sus publicaciones. He sido además un coleccionista de
arte empedernido, si se me permite el
término.
Fue así,
que unos de esos días, en el año 2016, mientras visitaba una de las tiendas de
la Red del Arte, ubicada en Los Teques, en la estación del metro Alí Primera,
cuando vi un curioso cuadro de la Mona Lisa, lo estuve mirando detenidamente, y
le pregunté a la gerente, Meyjuer Mendoza, con
quien tenía desde hace algún tiempo amistad, ¿quién era el artista? Ella me respondió de Willie, en esa
oportunidad le dije que estaba interesaba en comprarla, que pasaba en tres días
porque tenía que viajar al día siguiente a Píritu, estado Anzoátegui, a lo cual
accedió. Días después, a mi retorno a Los Teques, la adquirí. Fue de esta
manera que fui conociendo el trabajo de
William Hadell Álvarez (Willie, como firma sus obras).
Luego compré
otras tantas en la Red del Arte mencionada. Al tiempo, nos conocimos personalmente
en la tienda. Le compré otras piezas a Álvarez personalmente. Dichas obras
incluyen: dibujos, fotografías, pinturas en papel y tela y cartulina, paint
digital, fotografía, unas 34 obras en total. Su trabajo me pareció algo extraño
y muy personal, muy sugestivo, denota un no se “qué”, algo subyacente,
alegórico, referido al drama social que vive el hombre en estas dos décadas que
transcurren. Su obra tiene que ver con su personalidad y con sus creencias y
con su drama existencial. Su trabajo no ha tenido quizá el merecido
reconocimiento, es un trabajo subterráneo, pasa desapercibido, no hay mucha
gente que se interese en él. Es un artista marginal, y marginal a toda
tendencia y escuela, es un autodidacta que se preocupa en seguir no más que sus
inquietudes personales respecto a la pintura, que seguir el cliché de las modas. No le
interesa.
William Hadell Álvarez nace en Boleíta, Caracas, D. C. Venezuela en
1976. El 15 de diciembre de 1999, vivía en el estado Vargas (actual estado La Guaira), sufrió junto con
su familia la tragedia de Vargas
o desastre de Vargas como se reconoce al deslave, o corrimiento de tierras e
inundaciones ocurridas en las costas caribeñas de Venezuela, muy trágicas para
el referido Estado. Pudo salvar su vida milagrosamente, a raíz de este episodio
nefasto tuvo que estar en consultas psiquiátricas postraumática. A consecuencia
de este hecho, pasó dos años como damnificado en Fuerte Tiuna, Caracas.
Tiempo después de esos difíciles días, estuvo
viviendo hacia el 2009 en El Tigre, estado Anzoátegui. Se residencia en Los
Teques en el año 2012. Estos aspectos referidos, de algún modo le dan sentido y
explicación a su pintura, dibujos y fotografías; donde están presentes el
horror, los asuntos banales de la vida, los excesos, emociones, personajes del
entreentertainment, históricos, pintores; y
trabajos que él denomina ilusiones ópticas, los cuales confrontan la realidad
con la fantasía, siempre con un contenido de trasfondo y alegórico, vinculada a
su tragedia personal. Willie, indiscutiblemente es un hombre valiente, y lo es,
porque ha podido transmutar su tragedia en arte. Eso es admirable.
Como he dicho, es un artista autodidacta,
que además de pintor y dibujante ha transitado la escultura, la música; además
de escribir y ser mago. Estuvo hacia el año
2010 en las bandas de rock: Noid y Colapsi. Su trabajo como artista
plástico es prácticamente desconocido. No ha tenido el mayor reconocimiento que
una exposición bi-individual junto con Julio César Díaz en julio del 2012
auspiciada por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, Fundación Casa
del Artista, titulada No-Restraint-Pintando mis Sueños, donde se exhiben varias de sus obras (dibujos);
y otra, una colectiva patrocinada por la Casa de la Cultura Cecilio Acosta de
Los Teques el año 2017. La mayor parte de sus obras han estado en exhibición en
la tienda de la Red del Arte de la estación del metro, antes nombrada.
Presentamos en esta muestra: pinturas,
dibujos fotografías, que según la temática representada por el artista pueden
ser clasificadas, según mi visión: de
esta manera: (1) retratos de personajes históricos, del entreentertainment y otros; (2) ilusiones ópticas (obras
abstractas); (3) escena de horror de la cinematografía; (4) contaminación ambiental (5) simbólico; referido
a la salud por los excesos; (6) referidos a la fe; (7) alegorías; (8) al juego;
figuras geométricas. Vale insistir, para ser entendida la obra de Willie, hay
que ir más allá del objeto o cosa o
personaje representado, siempre lo
alegórico, los no lugares están circulando por el cuerpo de su
trabajo, así como también los elementos conceptuales e interpretativos a
lo que siempre está expuesta su propuesta artística.
LA OTRA CARA DEL ARTE: LA MENTE HUMANA
Retratos de personajes
históricos y del entertainment. Cabe
comenzar con la obra: Galarina Dalí 1944-1945. Ready Made
(2016), es un retrato elaborado a
partir de la obra de Salvador Dalí: Galarina pintada entre 1944-45, dicha obra
se encuadra dentro del realismo artístico; no así, la de William Álvarez. Gala
es la eterna musa del surrealismo, movimiento este emparentado con lo onírico.
Ahora bien cuál es la pretensión de Álvarez en pintar esta obra y no otra y de
naturaleza y representación distinta. A mi manera de entender el artista se
empeña en representar algo que es extraño, absurdo, algo que no corresponde a la realidad, que de algún modo guarda
relación con la tragedia de La Guaira. Suceso casi difícil de creer, que
pareciera imposible que haya sucedido. Un suceso que pareciera “Le Miau Noir”
de la noche, la desesperanza y el desconsuelo. La tragedia de Vargas para
muchos sigue siendo surreal. Es una especie de reina del surrealismo.
Entre estos retratos está uno titulado: Marilyn Manson Born Villain (2018), que se refiere Marilyn Manson, un
personaje controvertido y de la contracultura y del rock gótico; naturalmente el nombre artístico
provienen de dos personalidades opuestas y contradictorias: Marilyn Monroe
(símbolo sexy) y Charles Manson (criminal sectario, líder de la familia
Manson). Dentro de esta misma temática, (pero dentro del entreentertainment) cabe referirse la obra: Bibi Anderson (2018), que se refiere Berit
Elisabeth Andersson, más conocida como Bibi Andersson, quien es una actriz y
directora sueca de cine, teatro y televisión. Participó en varias películas
suecas como Fresas salvajes, Persona, Secretos de un matrimonio o El séptimo
sello, dirigidas por su compatriota Ingmar Bergman. Otro personaje
controversial que representa en dos obras: Milena Dee (2016) y (2017), las
cuales son dos desnudos. Refiere aquí a la modelo Ucraniana Milena D Sunna,
famosa por sus poses provocativas e
insinuantes de un erotismo y sensualidad extrema. Extrema, como nuestra
sociedad, que vive hoy, particularmente en un extremismo radical y violento.
Hay tres retratos, representados aquí
relacionados con la Monalisa, quizá la pintura más famosa de la historia del
arte, titulados: La Gioconda hacia 15-05-14.
Leonardo Da Vinci. Ready Made (2016), La Gioconda (2018) y Mona Lisa, (2018), que significa
“señora Lisa”, que son naturalmente re-interpretaciones de la obra de Da Vinci. Quizá
la pintura más famosa de la historia pintada por más pintores famosos. Una obra
que pareciera que desde el pasado contemplara el presente y dispuesta a ver el
futuro. Como se sabe, la Gioconda, cuyo nombre era Lisa Gherardini, quien era
la mujer del acaudalado duque Francesco del Giocondo, de allí el nombre de la
Gioconda. Una obra que desafía el
tiempo. El tiempo perdido por el artista a raíz de la tragedia de Vargas, que
lo hizo temporalmente perder la razón. O el tiempo de todos.
Y,
finalmente cierro este punto con la obra Retrato de Bebe (2012), que a
diferencia de las otras obras comentadas
(pinturas), ésta es una fotografía digital intervenida digitalmente, de una
niña con la mirada como pérdida en los pensamientos como fuera de las
coordenadas espacio-tiempo. El retrato de la niña aparece no en un plano, sino
en un trasplano, que denota una vida
solitaria, en un tiempo sin tiempo, una eternidad consumista. Pareciera estar
en lo que Marc Augé denomina un no lugar, un espacio despojado de expresiones
simbólicas, de identidad; un lugar de transitoriedad, un espacio de anonimato.
Como si estuviera atrapada en lo que Zygmunt Bauman denomina vivir en época de
incertidumbre, en las que las estructuras sociales ya no perduran en el tiempo
necesario para solidificarse, tiempo líquido, marcado por una modernidad
también líquida.
Este
conjunto de personajes comentados, aunque disimiles, algunos contradictorios y
otros enigmáticos, van a tener como denominador común, que no encajan dentro de
los patrones comúnmente establecidos. Algunos de ellos son personajes icónicos
de la cultura de masas. Como tampoco la obra de William Hadell Álvarez,
pareciera encajar en los movimientos
artísticos actuales.
Ilusión (s) Óptica
(s). Ilusión Óptica No. 1 (2012), Ilusión
Óptica No. 2 (2012), Ilusión Óptica (2012),
Ilusiones Ópticas (2012) Ilusión Óptica (2013), Ilusiones Ópticas (s. / f.), Ilusiones
Ópticas: crudo claroscuro para descomponer prototipos industriales (2016). Estas obras son de clara
manifestación abstracionistas. Antes de avanzar en este punto cabe dejar claro
qué son “ilusiones ópticas”. Una ilusión
óptica, refiere a cualquier tipo de ilusión de la visión que conlleva a mirar la
realidad de formas diversas. Puede ser de carácter fisiológico, asociada a los
efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro o de carácter
cognitivo, en las que interviene nuestro conocimiento del mundo. Para el
observador tiene valores subjetivos, es una percepción muy personal de la
“realidad”. El artista para crear estas obras, se sirve de la tecnología y de
las técnicas fotográficas de última generación, tales como:
diseño computarizado, paint fotográfico, pictórica-mixta, fotografía digital
intervenida digitalmente, que él denomina pixelado; algunas fotografías son
tomadas con el teléfono (fotografía digital), otras tomada de los website,
que manipula a su antojo, bien sea con
el Paint fotográfico (formato RAW) o diseños
computacionales. Afirmé en un comienzo, que los trabajos de Willie, siempre
tiene como un segundo plano de lectura, que es esa realidad subjetiva que nos
lleva al inframundo de las especulaciones, de los miedos, fobias, delirios, locura…
Si los espectadores no vemos su trabajo desde esta óptica, se les hace difícil
comprenderlo. En todo caso no comprenderlo es una forma de comprensión que se
limita a las creencias individuales, que son creencias válidas. Es como un viaje hacia la mente que tiene como destino
el subconsciente y el inconsciente.
Apariciones de Drácula (2012). Presentamos en este espacio la
curiosa obra: Apariciones de Drácula, la cual refiere
a Drácula, la película de terror
británica de 1958, y la
primera de una serie de películas de terror de la Hammer basadas en la
novela de Bram Stoker dirigida por Terence Fisher con Christofer
Lee y Peter Cushing encarnando al Conde Drácula y al
Doctor Van Helsing, respectivamente, en las Apariciones de Drácula. En este
formato fotográfico tomado por el
artista de un sitio web, se sirve de la imagen de Drácula y la repite
sucesivamente a manera de dos líneas paralelas, que luego interviene
digitalmente, procurando acentuar la escena de horror en el formato, y el miedo
en el espectador, miedo compartido por Álvarez del que vivió en carne viva en
la tragedia de Vargas de 1999.
Avitaminosis (2012). Esta
obra es una fotografía digital intervenida digitalmente, que pone en relieve
nuestros excesos como cultura. Esta obra, representa a un individuo con
avitaminosis, enfermedad ésta, producida por ausencia total de vitaminas en el organismo.
Que viene a ser la otra cara de la sociedad que vive en los límites alimentarios
que la FAO denomina: subalimentación o condición fisiológica anormal causada
por el consumo insuficiente de micronutrientes. Es una obra que expresa
dramatismo extremo, para mostrarnos el lado infernal de la sociedad líquida.
Mundo
Contaminado (2017). Es una fotografía digital intervenida
digitalmente, nos alerta del peligro a nivel global de esta problemática que se
ha venido incrementando con los años y pareciera no parar a pesar de los
esfuerzos que se han hecho por detener este serio problema. El serio problema
ambiental suscitó a la convocatoria de las Naciones Unidas de la Cumbre Mundial
para combatirla contaminación del Planeta, llevada a cabo en el año 2017, sin
embargo, los resultados en esta materia siguen siendo preocupantes. Es una obra
que pone de relieve este flagelo.
4 Calaveras (2012). Es también
una fotografía digital intervenida, su valor simbólico es claro, y no solo
engloba el mundo del arte, sino otros espacios de la vida humana en distintas
épocas y culturas, que en síntesis, es
el símbolo de la muerte, aunque su significado puede variar, pero siempre está
asociada al peligro ¿Está nuestra cultura actual en peligro?
Ojo Estrábico (2012). Una fotografía
digital intervenida digitalmente, en la que cuestiona cómo vemos la realidad,
o, por mejor decir siempre existe más de una lectura de ella, a veces
sicopática o distópica como la que George Orwell en su novela 1985. Recordemos
que la distopía es contraria a la utopía, es una
antiutopía o sociedad ficticia indeseable en sí misma, un antónimo de la
sociedad ideal de Tomás Moro. Recordemos que en 1984,
el Partido elimina, año tras año, más y más palabras en su pretensión de que la
lengua sea perfecta, en su objetivo por controlar a los ciudadanos a través de
la manipulación lingüística.
Sudoku (2013). Término que un juego matemático que se inventó a finales de la década de
1970, adquirió popularidad en Japón en la década de 1984 y se dio a conocer en
el ámbito internacional en 2005. Esta obra, es una fotografía digital, tomada
de un website, que luego el artista interviene, donde están dispuestos
sin un orden establecido los números arábigos, cuyo propósito de la obra es
mostrarnos el lado lúdico de una sociedad en
la que el juego ocupa una parte tan importante como el trabajo y, de
hecho, para algunos, el juego es una modalidad de trabajo. La sociedad de la
estadística o del número. Pareciera que todo en nuestra cultura es juego, que
no tomamos las cosas en serio, al menos la mayoría. Esto es un problema más
viejo de lo que creemos. Recordemos la obra hindú El Mahabharata, escrita
probablemente desde el s. IV a. C. – s. IV d. C., cuyo significado es: “La Gran
Historia del Pueblo de la India”, en la que relata Sanjaya, el consejero del rey Dritarastra, padre de la tribu los Kaurabas, cómo trampearon y estafaron a
sus primos los Pandavas, liderado por el corrupto Duriódhan, a través de un
juego de dados. Esto nos llama la reflexión, que el problema de juego es de vieja data, y
solo a través del imperio de la Ley, puede minimizarse y hacerse moderado.
Recordemos, que las apetencias humanas no se acaban, al menos que la humanidad
desaparezca, solo las cosas pueden estar dentro de nosotros moderadamente. La
inmoderación es el síntoma más evidente de la decadencia de la cultura y de las
civilizaciones.
Maury:
Voz. Cantante de Insulto (2012). Es una fotografía
digital intervenida en la que el propósito del artista es deformar la imagen
que están en ella, al propio tiempo mostrarnos un mundo como el de George
Orwell, donde la realidad es permanente deformado por las gentes que están al
mando del poder político. Una realidad que no terminamos de comprenderla porque
está en permanente deformación (no transformación). Es una realidad distópica o
anti utópica, que represen ta una sociedad ficticia. Pasamos de la cultura de
las TIC a la de las TAC, y del
video-foto-montaje.
Sangre (2012) y Sangre (2017).
Alusivas a la banda de hard rock de ese nombre. La primera es un dibujo
realizado por el artista que luego es fotografiado digitalmente pasado a la
computadora para luego ser intervenido digitalmente; la segunda es una
pequeña pintura, que representa como una réplica de la primera, el título de la
banda de rock no deja de ser sugestivo como tampoco la escogencia del artista
este emblema como motivo para una obra de arte, en un mundo donde la violencia
señala el camino de todos los días. Cabe decir para finalizar este aparte que
el color rojo está asociado, en ciertas
culturas a la guerra, a la violencia, en la que es habitual la sangre. Sangre,
es la banda de Rock, pero es también imagen y palabra; e ícono de las contradicciones
y desacuerdos entre las personas. La sangre en la manera más gráfica de
mostrarnos lo infernal que es la guerra y las bajas pasiones humana.
La Percepción de la Fe,
Propaganda para medios (1917); La Percepción de la Fe. Sigmund Freud. Artista
plástico. Austria. Propaganda para medicinas psiquiátricas (2017) y Bettie
Ferrell, Satanás of Nazateth (2017). El tema religioso también está
presente en la obra de Álvarez. Refiero aquí tres obras: la primera es una fotografía intervenida digitalmente; la
segunda, la elabora tomando la
fotografía anterior y la interviene con pintura al frío, la tercera es una
pintura. El plantea miento de esta obra, valga el término es como percibimos la
fe, o por mejor decir qué es la fe y a qué le tenemos fe, en un mundo cada vez
más carente de elementos espirituales y lleno de falsa creencias. Se puede
tener en el mundo de hoy: confianza, en una persona; o volcamos nuestras
creencias a las cosas, falsas deidades, opiniones, doctrinas o enseñanzas de
una determinada religión. El planteamiento de la obra va por el camino
angustioso del escepticismo y la angustia que este genera. La segunda
obra, su título alude a Sigmund Freud,
quien, como se sabe, tenía un interés muy particular por el arte, según
él, la obra de arte es un intento de
esconder sus orígenes en el inconsciente, una especie de disfraz que crea el
artista, que le permite manifestar sus deseos reprimidos. La tercera obra alude dos personajes:
la de Cristo y Bettie Ferrell, la cual no deja de ser alegórica, y
representar un personaje que dio su vida por la humanidad; y otro, una
misionera fundadora en el año 2000 del Consorcio de Educación de
Enfermería para el Final de la Vida (ELNEC proyecto), cuya misión es darle
cuidados paliativos a los pacientes al final de su vida.
Reja
(2012-2017). Es una curiosa obra que representa, como
literalmente lo indica el título: una reja.
Esta curiosa obra es una fotografía digital, que luego el artista interviene
con pintura al frío, que simbólicamente viene a representar el límite entre la
libertad y la esclavitud de los seres humanos. Esta obra tiene un valor más
hacia el conceptual art, por lo que
la conceptualización de la idea es de mayor significación que la obra en tanto
a objeto físico o material. O saltas la reja, o sigues siendo esclavo.
Love you Livey Gaga (2016). Esta obra
encuadra dentro del abstraccionismo, donde las manchas y las líneas
gestualmente trazadas definen la pintura, el artista deja atrás las formas
naturales y figurativas, haciendo énfasis en la combinación de líneas y colores para construir un entramado,
que no sabemos cuál es su representación o propósito. Quizá ninguno. Como en la
sociedad distópica de Orwell.
C. D. C. I. F. C. L. P. M. (2017). El
pintor, en este curioso dibujo con valores geométricos (conos superpuestos), superpone
sobre ellos, líneas verticales y horizontales trazadas con lápiz de grafito con
la que forma una especie de rectángulos sobre un fondo de color verde. Su
enigmático nombre nos formula un fuerte ejercicio de especulación alrededor de
su significado. ¿De qué se trata? O ¿de qué se trata la vida? Pareciera que el
artista nos regresa al viejo acertijo que la esfinge le planteara a Edipo: ¿Cuál es
la criatura que en la mañana camina en cuatro patas, al medio día en dos y en
la noche en tres? Edipo miró a la Esfinge y le respondió: El hombre. En su infancia gatea con
sus manos y rodillas, que es como tener cuatro pies. El hombre desde la noche
de los tiempos primarios, sigue siendo el gran enigma, su gran acertijo.
Las
figuras humanas inertes reflejan en los bordes de su superficie los colores de
la luz del suelo purificados como hazas (2016); Esto o aquello que no existe, y
que causa dolor. Pensando a la estatua de Andros (Dios de los viajeros y de los
comerciantes copia romana de un original del siglo IV a. c., Atenas, Museo
Arqueológico Nacional), mientras te ve” (2017) y, Mujer de la Calle, y desnuda
en la calle, farol y luna y espectadores que observan y no observan (2017).
Presento, en este espacio, tres obras que mantienen los valores simbólicos de
las otras que he venido comentando pero con otras aristas de la subjetiva
realidad. Y, a diferencia de las anteriores, tiene como característica
definitoria extensos títulos,
sirviéndose de la hipertextualidad. Son tres obras donde la alegoría
está presente. El artista,
pareciera pretender dar una imagen de
esa zona oscura de nuestra cultura. El lado irracional de nuestra civilización,
que tiene como contrapartida la racionalidad; una especie de péndulo, que
de manera intermitente nos ilustra el florecimiento
o la decadencia de la civilización. Obviamente estas obras tienen
valores simbólicos que están sujetas a las interpretaciones que le puede dar el
espectador, parecieran una especie de acertijo, como aquél que interpreta Edipo
frente a la esfinge, que en definitiva, el ser humano es un gran enigma.
Sabemos de su tránsito por la vida; pero ignoramos de dónde viene y a dónde va.
Son, estas obras, de alguna manera la representación, la contraimagen de una
sociedad saludable, donde el artista pone de relieve una situación
subvalorizada por la sociedad, que solo nos llama la atención cuando la vida,
o, en el gran teatro del mundo, como
diría Shakespeare, nos toca representar el papel de la figura de Ricardo III,
para vivir en carne propia, y, al propio tiempo mostrar la deformidad moral y
física de una sociedad.
Conejita
Playboy. Ésta obra está
realizada con pintura al frío sobre papel fotográfico. Al igual que las otras
obras se sirve de lo icónico, histriónico, para resaltar la de lo anormal con
apariencia de normalidad, o lo normal
con apariencia de anormalidad que naturalmente es una forma de violencia
simbólica. Pierre Bourdieu denomina violencia simbólica: por ser soterrada,
subyacente, implícita, subterránea, la cual esconde la naturaleza basal de la
matriz de las relaciones de fuerza que están bajo la relación en la cual se configura.
O, ese lado contradictorio que las acciones humanas provocan con los cambios
normales que las sociedades dan a luz por sus dinámicas implícitas,
justificadas y necesarias; y su contrario, aquéllas irracionalizaciones que se
gestan en la sociedad. Bourdieu denomina violencia simbólica a la legitimación de los esquemas de clasificación
propios de los grupos sociales y en sus esquemas de jerarquización, el
principio de su dinámica reside en cómo está estructurada, en la presencia de
ciertas asimetrías entre las fuerzas que entran en confrontación dentro de la
sociedad.
La obra: Conejita
Playboy (2017), alude, sin dudas, la “Revista Playboy”, creada en
Chicago, Illinois en 1953, por Hugh Hefner (1926-2017) dirigidas al público
adulto, que llegó alcanzar un cobertura mundial; en su primera portada, del
primer número apareció Marilyn Monroe. Muchos aseguran, que la revista cambió
la visión que se tenía del sexo y los tabúes referente al aborto, sin embargo, hay
quienes piensan, los más conservadores, que es una forma de aberración, como fue
uno de los tantos casos que podemos referir como el de la activista y líder
estadounidense por los derechos feminista
Gloria Steinem, quien en u a oportunidad llegó afirmar: “una mujer leyendo Playboy es lo
mismo que un judío leyendo un manual nazi”. Dos lecturas de una misma realidad
¿Quién tiene la razón?
Fíjense, esta obra representa, en un
sentido simbólico, como todos los otros trabajos del artista, esos otros
lugares al que tenemos frente a los ojos y no queremos mirar, o forzar la
mirada para ver lo que se nos antoja, independientemente que sea real. No trato
de hacer juicios valorativos sino más bien llevarlos desde la concepción
estética del pintor a reflexionar sobre las asimetrías y los grandes problemas
éticos que enfrentamos hoy, que de ninguna manera no sea la fuerza, el número,
o la clase, la que imponga los valores en una sociedad, sino, lo que desde los
tiempos de Aristóteles aspiraba el ciudadano griego, el bien de todos, que de
ningún modo es el bien de uno y el mal de otros.
PALABRAS
FINALES
Estamos frente un conjunto de obras nada
convencional. Denotan profundos rasgos psicológicos, pareciera que la intención
del artista es mostrarnos lo que está viviendo en sus procesos psíquicos, para
lo cual se sirve de la imagen. Recuerda de alguna manera aquel término acuñado
por Roger Cardinal en 1972: arte
marginal o art brut, este último vocablo concebido por Dubuffet para
referirse al arte fuera del contexto oficial y del arte convencional. El
artista marginal crea un arte sin contacto con las instituciones establecidas,
no le importa, su interés más bien, es expresar a través de la imágenes,
complejos procesos psicológicos que tiene como motor impulsor su drama
existencial. Recordemos que William Álvarez vivió el horror de la tragedia de
Vargas, estuvo, a raíz de esto, en consulta psiquiátrica, este fantasma transita por su mente; pero
también por su pintura.
*Dr. Manuel Bas.
MUESTRA
VISUAL:
1). Galarina Dalí 1944-1945. Ready Made
Mixta / cartulina opalina
2). Marilyn Manson Born Villain (2018)
Mixta /
papel
3). Bibi Anderson (2018)
Mixta / papel
4). Milena Dee (2016)
Pintura al frío / cartulina
5). La Gioconda hacia 15-05-14. Leonardo Da Vinci.
Ready Made (2016).
Mixta / cartulina opalina
6). La Gioconda (2018)
Mixta / papel
6). La Gioconda (2018)
Mixta / papel
8). Rostro de Bebe (2012)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
glasé
9). Ilusión Óptica No. 1 (2012)
Paint fotográfico / papel fotográfico
10). Ilusión Óptica
No. 2 (2012)
Paint fotográfico / papel fotográfico
11). Ilusión Óptica (2012)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
glasé
12). Ilusiones Ópticas (2012)
Diseño computarizado / papel glasé
13). Ilusión Óptica (2013)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
fotográfico
14). Ilusiones Ópticas (s. / f.)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
fotográfico
15). Ilusiones Ópticas: crudo claroscuro para
descomponer prototipos industriales (2016)
Mixta / cartulina
16). Apariciones de Drácula (2012)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
glasé
17). Avitaminosis (2012)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
glasé
18). Mundo Contaminado
(2017)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
fotográfico
19). 4 Calaveras (2012)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
glasé
20). Ojo Estrábico (2012)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
glasé
21). Sudoku (2013)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
fotográfico
21). Sudoku (2013)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
fotográfico
23). Sangre (2012)
Dibujo escaneado e intervenido digitalmente / papel
glasé
24). Sangre (2017)
Pintura al frío / papel
25). La Percepción de la Fe. Propaganda para medios
(2017)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
fotográfico
26). La Percepción de la Fe. Sigmund Freud. Artista
plástico. Austria. Propaganda para medicinas psiquiátrica (2017)
Fotografía digital intervenida digitalmente / papel
fotográfico intervenida con pintura al frío
27). Bettie
Ferrell Satanás of Nazateth (2017)
Pintura al frío / papel glasé
28). Reja (2012-2017)
Fotografía digital intervenida, intervenida con
pintura al frío / papel glasé
29). Love you
Livey Gaga (2016)
Mixta / papel
30). C. D. C. I. F. C. L.P. M. (2017)
Mixta / cartulina
31). Las figuras humanas inertes reflejan en los
bordes de su superficie los colores de la luz del suelo purificados como hazas
(2016)
Mixta / tela
32). “Esto o aquello que no existe, y que causa dolor.
Pensando a la estatua de Andros (Dios de los viajeros y de los comerciantes
copia romana de un original del siglo IV a. c., Atenas, Museo Arqueológico
Nacional), mientras te ve” (2017)
Mixta / tela
33). Mujer de la Calle y desnuda en la calle, farol
y luna y espectadores que observan y no observan (2017)
Pintura al frío / papel fotográfico
34). Conejita Playboy (2017)
Pintura a frío / papel fotográfico
WILLIAM
HADELL ÁLVAREZ, DEL OTRO LADO DE LA MEMORIA
TEXTO Y FOTOGRAFÍA:
Manuel Bas
EDICIÓN DIGITAL:
Manuel Bas & Eduardo Palmera
ASISTENTE TÉCNICO.
Astrid Gómez
POSTER ON LINE:
Eduardo Palmera
Obras de la colección Manuel Bas de
Arte Moderno
Caracas, D. C., un no lugar de
Venezuela, agosto de 2020
