sábado, 15 de agosto de 2020

WI LLIAM HADELL ÁLVAREZ DEL OTRO LADO DE LA MEMORIA*

 

 

WILLIAM HADELL ÁLVAREZ DEL OTRO LADO DE LA MEMORIA*

"Si no fuera de mi tiempo e intentara entenderlo, estaría muerto" (Marc Augé, 2016).

 “Lo que es un lugar para algunos puede ser un no lugar para otros” (Marc Auge 2016)

“La vida social ya se ha transformado en una vida electrónica o cibervida.” (Zygmunt Bauman 2017).

La guerra es la guerra. El único ser humano bueno es el que ha muerto (George Orwell, 1949).

“Toda la propaganda de guerra, todos los gritos y mentiras y odio, provienen invariablemente de gente que no está peleando”. (George Orwell, 1949)

“Lo importante no es mantenerse vivo sino mantenerse humano” (George Orwell, 1949).

 

PALABRAS INICIALES

 

 

     Ha sido costumbre en mi vida por más de 40 años, disponer de tiempo para visitar museos y galerías; así como también asistir a las bienales, salones y exposiciones que se venían haciendo a lo largo y ancho del país, y, naturalmente, leer sus publicaciones. Sin dejar de lado las visitas a artistas en sus talleres para ver sus creaciones, compartir con ellos, a través  de tertulias, en qué consistían los procesos creativos de sus obras. Era de algún modo, esas visitas, una especie de curaduría itinerante. De este contacto con el mundo de las  artes visuales surgieron  ideas que luego plasmé en posteriores trabajos que fueron publicados en mis blogs. Conocí, de esta manera, quizás un millar o más de artistas, sin descartar coleccionistas y ver sus colecciones y críticos de arte, de quienes leí sus publicaciones. He sido además un coleccionista de arte empedernido, si se me  permite el término.

     Fue así, que unos de esos días, en el año 2016, mientras visitaba una de las tiendas de la Red del Arte, ubicada en Los Teques, en la estación del metro Alí Primera, cuando vi un curioso cuadro de la Mona Lisa, lo estuve mirando detenidamente, y le pregunté a la gerente, Meyjuer Mendoza, con  quien tenía desde hace algún tiempo amistad, ¿quién era el  artista? Ella me respondió de Willie, en esa oportunidad le dije que estaba interesaba en comprarla, que pasaba en tres días porque tenía que viajar al día siguiente a Píritu, estado Anzoátegui, a lo cual accedió. Días después, a mi retorno a Los Teques, la adquirí. Fue de esta manera que fui conociendo  el trabajo de William Hadell Álvarez (Willie, como firma sus obras).

     Luego compré otras tantas en la Red del Arte mencionada. Al tiempo, nos conocimos personalmente en la tienda. Le compré otras piezas a Álvarez personalmente. Dichas obras incluyen: dibujos, fotografías, pinturas en papel y tela y cartulina, paint digital, fotografía, unas 34 obras en total. Su trabajo me pareció algo extraño y muy personal, muy sugestivo, denota un no se “qué”, algo subyacente, alegórico, referido al drama social que vive el hombre en estas dos décadas que transcurren. Su obra tiene que ver con su personalidad y con sus creencias y con su drama existencial. Su trabajo no ha tenido quizá el merecido reconocimiento, es un trabajo subterráneo, pasa desapercibido, no hay mucha gente que se interese en él. Es un artista marginal, y marginal a toda tendencia y escuela, es un autodidacta que se preocupa en seguir no más que sus inquietudes personales respecto a la pintura,  que seguir el cliché de las modas. No le interesa.

     William Hadell Álvarez  nace en Boleíta, Caracas, D. C. Venezuela en 1976. El 15 de diciembre de 1999, vivía en el estado Vargas (actual estado La Guaira), sufrió junto con su familia la tragedia  de Vargas o desastre de Vargas como se reconoce al deslave, o corrimiento de tierras e inundaciones ocurridas en las costas caribeñas de Venezuela, muy trágicas para el referido Estado. Pudo salvar su vida milagrosamente, a raíz de este episodio nefasto tuvo que estar en consultas psiquiátricas postraumática. A consecuencia de este hecho, pasó dos años como damnificado en Fuerte Tiuna, Caracas.

     Tiempo después de esos difíciles días, estuvo viviendo hacia el 2009 en El Tigre, estado Anzoátegui. Se residencia en Los Teques en el año 2012. Estos aspectos referidos, de algún modo le dan sentido y explicación a su pintura, dibujos y fotografías; donde están presentes el horror, los asuntos banales de la vida, los excesos, emociones, personajes del entreentertainment, históricos, pintores; y trabajos que él denomina ilusiones ópticas, los cuales confrontan la realidad con la fantasía, siempre con un contenido de trasfondo y alegórico, vinculada a su tragedia personal. Willie, indiscutiblemente es un hombre valiente, y lo es, porque ha podido transmutar su tragedia en arte. Eso es admirable.

     Como he dicho, es un artista autodidacta, que además de pintor y dibujante ha transitado la escultura, la música; además de escribir y ser mago. Estuvo hacia el año  2010 en las bandas de rock: Noid y Colapsi. Su trabajo como artista plástico es prácticamente desconocido. No ha tenido el mayor reconocimiento que una exposición bi-individual junto con Julio César Díaz en julio del 2012 auspiciada por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, Fundación Casa del Artista, titulada No-Restraint-Pintando mis Sueños,  donde se exhiben varias de sus obras (dibujos); y otra, una colectiva patrocinada por la Casa de la Cultura Cecilio Acosta de Los Teques el año 2017. La mayor parte de sus obras han estado en exhibición en la tienda de la Red del Arte de la estación del metro, antes nombrada.

     Presentamos en esta muestra: pinturas, dibujos fotografías, que según la temática representada por el artista pueden ser clasificadas,  según mi visión: de esta manera: (1) retratos de personajes históricos, del  entreentertainment y otros; (2) ilusiones ópticas (obras abstractas); (3) escena de horror de la cinematografía; (4)  contaminación ambiental (5) simbólico; referido a la salud por los excesos; (6) referidos a la fe; (7) alegorías; (8) al juego; figuras geométricas. Vale insistir, para ser entendida la obra de Willie, hay que ir más allá del objeto  o cosa o personaje representado,  siempre lo alegórico, los no lugares están circulando por el cuerpo  de su  trabajo, así como también los elementos conceptuales e interpretativos a lo que siempre está expuesta su propuesta artística.

LA OTRA CARA DEL ARTE: LA MENTE HUMANA

 

    Retratos de personajes históricos y del entertainment. Cabe comenzar con la obra: Galarina Dalí 1944-1945. Ready Made (2016), es un retrato elaborado a partir de la obra de Salvador Dalí: Galarina pintada entre 1944-45, dicha obra se encuadra dentro del realismo artístico; no así, la de William Álvarez. Gala es la eterna musa del surrealismo, movimiento este emparentado con lo onírico. Ahora bien cuál es la pretensión de Álvarez en pintar esta obra y no otra y de naturaleza y representación distinta. A mi manera de entender el artista se empeña en representar algo que es extraño, absurdo, algo que no corresponde a la realidad, que de algún modo guarda relación con la tragedia de La Guaira. Suceso casi difícil de creer, que pareciera imposible que haya sucedido. Un suceso que pareciera “Le Miau Noir” de la noche, la desesperanza y el desconsuelo. La tragedia de Vargas para muchos sigue siendo surreal. Es una especie de reina del surrealismo.

     Entre estos retratos está uno titulado: Marilyn Manson Born Villain (2018), que se refiere Marilyn Manson, un personaje controvertido y de la contracultura y del rock  gótico; naturalmente el nombre artístico provienen de dos personalidades opuestas y contradictorias: Marilyn Monroe (símbolo sexy) y Charles Manson (criminal sectario, líder de la familia Manson). Dentro de esta misma temática, (pero dentro del entreentertainment) cabe referirse la obra: Bibi Anderson (2018), que se refiere Berit Elisabeth Andersson, ​más conocida como Bibi Andersson, quien es una actriz y directora sueca de cine, teatro y televisión. Participó en varias películas suecas como Fresas salvajes, Persona, Secretos de un matrimonio o El séptimo sello, dirigidas por su compatriota Ingmar Bergman. Otro personaje controversial que representa en dos obras: Milena Dee (2016) y (2017), las cuales son dos desnudos. Refiere aquí a la modelo Ucraniana Milena D Sunna, famosa  por sus poses provocativas e insinuantes de un erotismo y sensualidad extrema. Extrema, como nuestra sociedad, que vive hoy, particularmente en un extremismo radical y violento.

     Hay tres retratos, representados aquí relacionados con la Monalisa, quizá la pintura más famosa de la historia del arte, titulados: La Gioconda hacia 15-05-14. Leonardo Da Vinci. Ready Made (2016), La Gioconda (2018) y Mona Lisa,  (2018), que significa “señora Lisa”, que son naturalmente re-interpretaciones de la obra de Da Vinci. Quizá la pintura más famosa de la historia pintada por más pintores famosos. Una obra que pareciera que desde el pasado contemplara el presente y dispuesta a ver el futuro. Como se sabe, la Gioconda, cuyo nombre era Lisa Gherardini, quien era la mujer del acaudalado duque Francesco del Giocondo, de allí el nombre de la Gioconda.  Una obra que desafía el tiempo. El tiempo perdido por el artista a raíz de la tragedia de Vargas, que lo hizo temporalmente perder la razón. O el tiempo de todos.

     Y, finalmente cierro este punto con la obra Retrato de Bebe (2012), que a diferencia de las otras  obras comentadas (pinturas), ésta es una fotografía digital intervenida digitalmente, de una niña con la mirada como pérdida en los pensamientos como fuera de las coordenadas espacio-tiempo. El retrato de la niña aparece no en un plano, sino en un trasplano, que denota  una vida solitaria, en un tiempo sin tiempo, una eternidad consumista. Pareciera estar en lo que Marc Augé denomina un no lugar, un espacio despojado de expresiones simbólicas, de identidad; un lugar de transitoriedad, un espacio de anonimato. Como si estuviera atrapada en lo que Zygmunt Bauman denomina vivir en época de incertidumbre, en las que las estructuras sociales ya no perduran en el tiempo necesario para solidificarse, tiempo líquido, marcado por una modernidad también líquida.

     Este conjunto de personajes comentados, aunque disimiles, algunos contradictorios y otros enigmáticos, van a tener como denominador común, que no encajan dentro de los patrones comúnmente establecidos. Algunos de ellos son personajes icónicos de la cultura de masas. Como tampoco la obra de William Hadell Álvarez, pareciera  encajar en los movimientos artísticos actuales.

     Ilusión (s) Óptica (s). Ilusión Óptica No. 1 (2012), Ilusión Óptica  No. 2 (2012), Ilusión Óptica (2012), Ilusiones Ópticas (2012) Ilusión Óptica (2013), Ilusiones Ópticas (s. / f.), Ilusiones Ópticas: crudo claroscuro para descomponer prototipos industriales (2016). Estas obras son de clara manifestación abstracionistas. Antes de avanzar en este punto cabe dejar claro qué son “ilusiones ópticas”. Una ilusión óptica, refiere a cualquier tipo de ilusión de la visión que conlleva a mirar la realidad de formas diversas. Puede ser de carácter fisiológico, asociada a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro o de carácter cognitivo, en las que interviene nuestro conocimiento del mundo. Para el observador tiene valores subjetivos, es una percepción muy personal de la “realidad”. El artista para crear estas obras, se sirve de la tecnología y de las técnicas fotográficas de última generación, tales como: diseño computarizado, paint fotográfico, pictórica-mixta, fotografía digital intervenida digitalmente, que él denomina pixelado; algunas fotografías son tomadas con el teléfono (fotografía digital), otras tomada de los website, que  manipula a su antojo, bien sea con el Paint fotográfico (formato RAW) o diseños computacionales. Afirmé en un comienzo, que los trabajos de Willie, siempre tiene como un segundo plano de lectura, que es esa realidad subjetiva que nos lleva al inframundo de las especulaciones, de los miedos, fobias, delirios, locura… Si los espectadores no vemos su trabajo desde esta óptica, se les hace difícil comprenderlo. En todo caso no comprenderlo es una forma de comprensión que se limita a las creencias individuales, que son creencias válidas. Es como un  viaje hacia la mente que tiene como destino el subconsciente y el inconsciente.

    Apariciones de Drácula (2012). Presentamos en este espacio la curiosa obra: Apariciones de Drácula, la cual refiere a Drácula, la película de terror británica de 1958, y la primera de una serie de películas de terror de la Hammer basadas en la novela de Bram Stoker dirigida por Terence Fisher con Christofer Lee y Peter Cushing  encarnando al Conde Drácula  y al  Doctor Van Helsing, respectivamente, en las Apariciones de Drácula. En este formato fotográfico tomado por  el artista de un sitio web, se sirve de la imagen de Drácula y la repite sucesivamente a manera de dos líneas paralelas, que luego interviene digitalmente, procurando acentuar la escena de horror en el formato, y el miedo en el espectador, miedo compartido por Álvarez del que vivió en carne viva en la tragedia de Vargas de 1999.

     Avitaminosis (2012). Esta obra es una fotografía digital intervenida digitalmente, que pone en relieve nuestros excesos como cultura. Esta obra, representa a un individuo con avitaminosis, enfermedad ésta, producida por  ausencia total de vitaminas en el organismo. Que viene a ser la otra cara de la sociedad que vive en los límites alimentarios que la FAO denomina: subalimentación o condición fisiológica anormal causada por el consumo insuficiente de micronutrientes. Es una obra que expresa dramatismo extremo, para mostrarnos el lado infernal de la sociedad líquida.

     Mundo Contaminado (2017). Es una fotografía digital intervenida digitalmente, nos alerta del peligro a nivel global de esta problemática que se ha venido incrementando con los años y pareciera no parar a pesar de los esfuerzos que se han hecho por detener este serio problema. El serio problema ambiental suscitó a la convocatoria de las Naciones Unidas de la Cumbre Mundial para combatirla contaminación del Planeta, llevada a cabo en el año 2017, sin embargo, los resultados en esta materia siguen siendo preocupantes. Es una obra que pone de relieve este flagelo.

     4 Calaveras (2012). Es también una fotografía digital intervenida, su valor simbólico es claro, y no solo engloba el mundo del arte, sino otros espacios de la vida humana en distintas épocas y culturas,  que en síntesis, es el símbolo de la muerte, aunque su significado puede variar, pero siempre está asociada al peligro ¿Está nuestra cultura actual en peligro?

    Ojo Estrábico (2012). Una fotografía digital intervenida digitalmente, en la que cuestiona cómo vemos la realidad, o, por mejor decir siempre existe más de una lectura de ella, a veces sicopática o distópica como la que George Orwell en su novela 1985. Recordemos que la distopía es contraria a la utopía, es una antiutopía o sociedad ficticia indeseable en sí misma, un antónimo de la sociedad ideal de Tomás Moro. Recordemos que en 1984, el Partido elimina, año tras año, más y más palabras en su pretensión de que la lengua sea perfecta, en su objetivo por controlar a los ciudadanos a través de la manipulación lingüística.

     Sudoku (2013). Término que un juego matemático que se inventó a finales de la década de 1970, adquirió popularidad en Japón en la década de 1984 y se dio a conocer en el ámbito internacional en 2005. Esta obra, es una fotografía digital, tomada de  un website,  que luego el artista interviene, donde están dispuestos sin un orden establecido los números arábigos, cuyo propósito de la obra es mostrarnos el lado lúdico de una sociedad en  la que el juego ocupa una parte tan importante como el trabajo y, de hecho, para algunos, el juego es una modalidad de trabajo. La sociedad de la estadística o del número. Pareciera que todo en nuestra cultura es juego, que no tomamos las cosas en serio, al menos la mayoría. Esto es un problema más viejo de lo que creemos. Recordemos la obra hindú El Mahabharata, escrita probablemente desde el s. IV a. C. – s. IV d. C., cuyo significado es: “La Gran Historia del Pueblo de la India”, en la que relata Sanjaya, el consejero del rey Dritarastra, padre de la tribu los Kaurabas, cómo trampearon y estafaron a sus primos los Pandavas, liderado por el corrupto Duriódhan, a través de un juego de dados. Esto nos llama la reflexión,  que el problema de juego es de vieja data, y solo a través del imperio de la Ley, puede minimizarse y hacerse moderado. Recordemos, que las apetencias humanas no se acaban, al menos que la humanidad desaparezca, solo las cosas pueden estar dentro de nosotros moderadamente. La inmoderación es el síntoma más evidente de la decadencia de la cultura y de las civilizaciones.

    Maury: Voz. Cantante de Insulto (2012). Es una fotografía digital intervenida en la que el propósito del artista es deformar la imagen que están en ella, al propio tiempo mostrarnos un mundo como el de George Orwell, donde la realidad es permanente deformado por las gentes que están al mando del poder político. Una realidad que no terminamos de comprenderla porque está en permanente deformación (no transformación). Es una realidad distópica o anti utópica, que represen ta una sociedad ficticia. Pasamos de la cultura de las TIC a la de las TAC,  y del video-foto-montaje.

     Sangre (2012) y Sangre (2017). Alusivas a la banda de hard rock de ese nombre. La primera es un dibujo realizado por el artista que luego es fotografiado digitalmente pasado a la computadora para luego ser intervenido digitalmente; la segunda es una pequeña pintura, que representa como una réplica de la primera, el título de la banda de rock no deja de ser sugestivo como tampoco la escogencia del artista este emblema como motivo para una obra de arte, en un mundo donde la violencia señala el camino de todos los días. Cabe decir para finalizar este aparte que el color rojo está asociado,  en ciertas culturas a la guerra, a la violencia, en la que es habitual la sangre. Sangre, es la banda de Rock, pero es también imagen y palabra; e ícono de las contradicciones y desacuerdos entre las personas. La sangre en la manera más gráfica de mostrarnos lo infernal que es la guerra y las bajas pasiones humana.

     La Percepción de la Fe, Propaganda para medios (1917); La Percepción de la Fe. Sigmund Freud. Artista plástico. Austria. Propaganda para medicinas psiquiátricas (2017) y Bettie Ferrell, Satanás of Nazateth (2017). El tema religioso también está presente en la obra de Álvarez. Refiero aquí tres obras: la primera es una fotografía intervenida digitalmente; la segunda,  la elabora tomando la fotografía anterior y la interviene con pintura al frío, la tercera es una pintura. El plantea miento de esta obra, valga el término es como percibimos la fe, o por mejor decir qué es la fe y a qué le tenemos fe, en un mundo cada vez más carente de elementos espirituales y lleno de falsa creencias. Se puede tener en el mundo de hoy: confianza, en una persona; o volcamos nuestras creencias a las cosas, falsas deidades, opiniones, doctrinas o enseñanzas de una determinada religión. El planteamiento de la obra va por el camino angustioso del escepticismo y la angustia que este genera. La segunda obra, su título alude a Sigmund Freud,  quien, como se sabe, tenía un interés muy particular por el arte, según él, la obra de  arte es un intento de esconder sus orígenes en el inconsciente, una especie de disfraz que crea el artista, que le permite manifestar sus deseos reprimidos.  La tercera obra alude dos personajes: la de Cristo y Bettie Ferrell, la cual no deja de ser alegórica, y representar un personaje que dio su vida por la humanidad; y otro, una misionera fundadora en el año 2000 del Consorcio de Educación de Enfermería  para el Final de la Vida (ELNEC proyecto), cuya misión es darle cuidados paliativos a los pacientes al final de su vida.

     Reja (2012-2017). Es una curiosa obra que representa, como literalmente lo indica el título: una reja. Esta curiosa obra es una fotografía digital, que luego el artista interviene con pintura al frío, que simbólicamente viene a representar el límite entre la libertad y la esclavitud de los seres humanos. Esta obra tiene un valor más hacia el conceptual art, por lo que la conceptualización de la idea es de mayor significación que la obra en tanto a objeto físico o material. O saltas la reja, o sigues siendo esclavo.

     Love you Livey Gaga (2016). Esta obra encuadra dentro del abstraccionismo, donde las manchas y las líneas gestualmente trazadas definen la pintura, el artista deja atrás las formas naturales y figurativas, haciendo énfasis en la combinación de  líneas y colores para construir un entramado, que no sabemos cuál es su representación o propósito. Quizá ninguno. Como en la sociedad distópica de Orwell.

     C. D. C. I. F. C. L. P. M. (2017). El pintor, en este curioso dibujo con valores geométricos (conos superpuestos), superpone sobre ellos, líneas verticales y horizontales trazadas con lápiz de grafito con la que forma una especie de rectángulos sobre un fondo de color verde. Su enigmático nombre nos formula un fuerte ejercicio de especulación alrededor de su significado. ¿De qué se trata? O ¿de qué se trata la vida? Pareciera que el artista nos regresa al viejo acertijo que la esfinge le planteara a Edipo: ¿Cuál es la criatura que en la mañana camina en cuatro patas, al medio día en dos y en la noche en tres? Edipo miró a la Esfinge y le respondió: El hombre. En su infancia gatea con sus manos y rodillas, que es como tener cuatro pies. El hombre desde la noche de los tiempos primarios, sigue siendo el gran enigma, su gran acertijo.

     Las figuras humanas inertes reflejan en los bordes de su superficie los colores de la luz del suelo purificados como hazas (2016); Esto o aquello que no existe, y que causa dolor. Pensando a la estatua de Andros (Dios de los viajeros y de los comerciantes copia romana de un original del siglo IV a. c., Atenas, Museo Arqueológico Nacional), mientras te ve” (2017) y, Mujer de la Calle, y desnuda en la calle, farol y luna y espectadores que observan y no observan (2017). Presento, en este espacio, tres obras que mantienen los valores simbólicos de las otras que he venido comentando pero con otras aristas de la subjetiva realidad. Y, a diferencia de las anteriores, tiene como característica definitoria extensos títulos,  sirviéndose de la hipertextualidad. Son tres obras donde la alegoría está presente. El artista, pareciera  pretender dar una imagen de esa zona oscura de nuestra cultura. El lado irracional de nuestra civilización, que tiene como contrapartida la racionalidad; una especie de péndulo, que de  manera intermitente nos ilustra el florecimiento o la decadencia de la civilización. Obviamente estas obras tienen valores simbólicos que están sujetas a las interpretaciones que le puede dar el espectador, parecieran una especie de acertijo, como aquél que interpreta Edipo frente a la esfinge, que en definitiva, el ser humano es un gran enigma. Sabemos de su tránsito por la vida; pero ignoramos de dónde viene y a dónde va. Son, estas obras, de alguna manera la representación, la contraimagen de una sociedad saludable, donde el artista pone de relieve una situación subvalorizada por la sociedad, que solo nos llama la atención cuando la vida, o, en  el gran teatro del mundo, como diría Shakespeare, nos toca representar el papel de la figura de Ricardo III, para vivir en carne propia, y, al propio tiempo mostrar la deformidad moral y física de una sociedad.

    Conejita Playboy. Ésta obra está realizada con pintura al frío sobre papel fotográfico. Al igual que las otras obras se sirve de lo icónico, histriónico, para resaltar la de lo anormal con apariencia de normalidad, o  lo normal con apariencia de anormalidad que naturalmente es una forma de violencia simbólica. Pierre Bourdieu denomina violencia simbólica: por ser soterrada, subyacente, implícita, subterránea, la cual esconde la naturaleza basal de la matriz de las relaciones de fuerza que están bajo la relación en la cual se configura. O, ese lado contradictorio que las acciones humanas provocan con los cambios normales que las sociedades dan a luz por sus dinámicas implícitas, justificadas y necesarias; y su contrario, aquéllas irracionalizaciones que se gestan en la sociedad. Bourdieu denomina violencia simbólica a la legitimación de los esquemas de clasificación propios de los grupos sociales y en sus esquemas de jerarquización, el principio de su dinámica reside en cómo está estructurada, en la presencia de ciertas asimetrías entre las fuerzas que entran en confrontación dentro de la sociedad.

     La obra: Conejita Playboy (2017), alude, sin dudas, la “Revista Playboy”, creada en Chicago, Illinois en 1953, por Hugh Hefner (1926-2017) dirigidas al público adulto, que llegó alcanzar un cobertura mundial; en su primera portada, del primer número apareció Marilyn Monroe. Muchos aseguran, que la revista cambió la visión que se tenía del sexo y los tabúes referente al aborto, sin embargo, hay quienes piensan, los más conservadores, que es una forma de aberración, como fue uno de los tantos casos que podemos referir como el de la activista y líder estadounidense por los derechos feminista  Gloria Steinem, quien en u a oportunidad llegó afirmar: “una mujer leyendo Playboy es lo mismo que un judío leyendo un manual nazi”. Dos lecturas de una misma realidad ¿Quién tiene la razón?

    Fíjense, esta obra representa, en un sentido simbólico, como todos los otros trabajos del artista, esos otros lugares al que tenemos frente a los ojos y no queremos mirar, o forzar la mirada para ver lo que se nos antoja, independientemente que sea real. No trato de hacer juicios valorativos sino más bien llevarlos desde la concepción estética del pintor a reflexionar sobre las asimetrías y los grandes problemas éticos que enfrentamos hoy, que de ninguna manera no sea la fuerza, el número, o la clase, la que imponga los valores en una sociedad, sino, lo que desde los tiempos de Aristóteles aspiraba el ciudadano griego, el bien de todos, que de ningún modo es el bien de uno y el mal de otros.

 

PALABRAS FINALES

 

 

    Estamos frente un conjunto de obras nada convencional. Denotan profundos rasgos psicológicos, pareciera que la intención del artista es mostrarnos lo que está viviendo en sus procesos psíquicos, para lo cual se sirve de la imagen. Recuerda de alguna manera aquel término acuñado por Roger Cardinal en 1972: arte marginal o art brut, este último vocablo concebido por Dubuffet para referirse al arte fuera del contexto oficial y del arte convencional. El artista marginal crea un arte sin contacto con las instituciones establecidas, no le importa, su interés más bien, es expresar a través de la imágenes, complejos procesos psicológicos que tiene como motor impulsor su drama existencial. Recordemos que William Álvarez vivió el horror de la tragedia de Vargas, estuvo, a raíz de esto, en consulta psiquiátrica,  este fantasma transita por su mente; pero también por su pintura.

*Dr. Manuel Bas.

MUESTRA VISUAL:

1). Galarina Dalí 1944-1945. Ready Made

 

Mixta / cartulina opalina


2). Marilyn Manson Born Villain (2018)

 

Mixta   / papel


3). Bibi Anderson (2018)

 

Mixta   / papel


4). Milena Dee (2016)

 

Pintura al frío / cartulina


5). La Gioconda hacia 15-05-14. Leonardo Da Vinci. Ready Made (2016).

 

Mixta / cartulina opalina


6). La Gioconda (2018)

 

Mixta  / papel


6). La Gioconda (2018)

 

Mixta  / papel


8). Rostro de Bebe (2012)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel glasé


9). Ilusión Óptica No. 1 (2012)

 

Paint fotográfico / papel fotográfico


10). Ilusión Óptica  No. 2 (2012)

 

Paint fotográfico / papel fotográfico


11). Ilusión Óptica (2012)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel glasé


12). Ilusiones Ópticas (2012)

 

Diseño computarizado / papel glasé


13). Ilusión Óptica (2013)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel fotográfico


14). Ilusiones Ópticas (s. / f.)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel fotográfico


15). Ilusiones Ópticas: crudo claroscuro para descomponer prototipos industriales (2016)

 

Mixta / cartulina


 16). Apariciones de Drácula (2012)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel glasé


17). Avitaminosis (2012)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel glasé


18). Mundo Contaminado (2017)      

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel fotográfico


19). 4 Calaveras (2012)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel glasé


20). Ojo Estrábico (2012)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel glasé


21). Sudoku (2013)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel fotográfico


21). Sudoku (2013)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel fotográfico


23). Sangre (2012)

 

Dibujo escaneado e intervenido digitalmente / papel glasé


24). Sangre (2017)

 

Pintura al frío / papel


25). La Percepción de la Fe. Propaganda para medios (2017)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel fotográfico


26). La Percepción de la Fe. Sigmund Freud. Artista plástico. Austria. Propaganda para medicinas psiquiátrica (2017)

 

Fotografía digital intervenida digitalmente / papel fotográfico intervenida con pintura al frío


27). Bettie Ferrell Satanás of Nazateth (2017)

 

Pintura al frío / papel glasé


28). Reja (2012-2017)

 

Fotografía digital intervenida, intervenida con pintura al frío / papel glasé


29). Love you Livey Gaga (2016)

 

Mixta / papel


30). C. D. C. I. F. C. L.P. M. (2017)

 

Mixta / cartulina


31). Las figuras humanas inertes reflejan en los bordes de su superficie los colores de la luz del suelo purificados como hazas (2016)

 

Mixta / tela


32). “Esto o aquello que no existe, y que causa dolor. Pensando a la estatua de Andros (Dios de los viajeros y de los comerciantes copia romana de un original del siglo IV a. c., Atenas, Museo Arqueológico Nacional), mientras te ve” (2017)

 

Mixta / tela


33). Mujer de la Calle y desnuda en la calle, farol y luna y espectadores que observan y no observan  (2017)

 

Pintura al frío / papel fotográfico


34). Conejita Playboy (2017)

 

Pintura a frío / papel fotográfico


 

WILLIAM HADELL ÁLVAREZ, DEL OTRO LADO DE LA MEMORIA

TEXTO Y FOTOGRAFÍA: Manuel Bas

EDICIÓN DIGITAL: Manuel Bas & Eduardo Palmera

ASISTENTE TÉCNICO. Astrid Gómez

POSTER ON LINE: Eduardo Palmera

Obras de la colección Manuel Bas de Arte Moderno

Caracas, D. C., un no lugar de Venezuela, agosto de 2020

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